臺北市立美術館推出「物質世界」，自5月1日至8月16日於2樓展覽室展出。本展由館內助理研究員馮馨策劃，以典藏作品為主軸，匯集29位不同世代藝術家的創作，展出炭筆、油畫、壓克力、攝影、錄像、現成物、複合媒材與立體裝置等共87件/組作品，最早自何德來1936年的油畫至今，創作年代跨越90年，其中包含3件全新委託製作，以及多件入藏後首次展出的典藏作品。

從1970年代布希亞（Jean Baudrillard）提出消費社會中的符號價值，到1990年代提姆．登特（Tim Dant）與貝爾納．斯蒂格勒（Bernard Stiegler）對物質實踐的進一步探討，物質早已不僅是被消費的對象或承載意義的符號，更在日常的操作、使用與感知過程中，衍生出各種技術形式，進而形塑人們的行動模式與社會樣態。以「物質世界」為題，本展試圖回望自農業社會轉向工商社會以來，物質的生產與流通如何深刻改變我們所處的生活環境與世界樣貌。

展覽空間依循由外而內、再回返感知的敘事路徑展開。首展區從物質消費與其機制出發，延伸至物件所構築的居所與城市的現代化進程，李明學的《溢出的記憶》將不同品牌的同款商品分別陳列於兩座不鏽鋼層架，如不同牌子、瓶子顏色同樣為藍綠色的洗衣精，使觀眾在觀看過程誤以為相同商品重複出現，進而探討視覺消費符號遺留的慣習，觀者依賴過往的視覺經驗來辨識物品，反而被相似的視覺暗示所欺騙；黃冠均的《黃》中，壓克力顏料脫離畫布，成為塑膠雨衣的材質本身，既回應熟悉的日常經驗，也凸顯創作媒材的物質性。《流逝的歲月》與《巴黎閣樓-照見系列》分別為何德來與黃銘昌以自身居住於東京目黑區與巴黎的空間為創作主題，透過畫面色調與室內陳設物件，映照不同年代的情感、記憶與生活樣貌。白景瑞的《台北之晨（林強全新配樂版）》以錄像形式記錄1960年代臺北市井小民的生活景況，此次展出版本為2019年，由與創作年份同齡的音樂人林強重新配樂，以電子樂與實驗聲響，將現代精神融入昔日臺北景觀，展開一場跨越媒介與時代的對話。

第二展區則轉向由物而開展的奇想，透過物的變形與再解構，打開現實與潛意識之間的縫隙，使日常之物成為感知轉譯的媒介。黃文浩的《上帝與我》以機械式節拍器驅動取自經典作品《創世紀》中亞當與上帝之手，形成無法觸及彼此的循環，隱喻徒勞往復的焦慮與荒謬；賴九岑《這不是瑪格利特的天堂》則透過作品與命名的辯證關係，回應超現實主義藝術家馬格利特（Rene Magritte），進一步探討符號與對應物之間的張力。

第三展區進一步聚焦人與物之間的辯證關係，從由物而體現的自我、聚集之物與其乘載到系統中的人與空間，觀察物如何滲入身體經驗、身份認同與當代社會結構。首次於1998年台北雙年展展出並被典藏的《超越認同》來自日本藝術家日下淳一，以30套懸吊的改造服裝構成，其中如帶有監獄式粗直條紋的西裝外套，指向衣物不僅決定外在形象，更影響個體的思考與人格認同；張照堂於1960年代創作的《存在與虛無》系列，實驗銀鹽相紙的媒材特性呈現詭譎而超現實的畫面構圖，回應其對生命、存在與虛無命題的思索。 何采柔的《More》與湯雅雯的委託新作《揚起》，分別採集乾衣機中的棉絮與家中灰塵，轉化為毛衣與藝術裝置，將那些難以被察覺的微小變化，緩慢堆積成時間的痕跡。周育正《工作史－盧皆得》為2012年台北美術獎首獎並被收藏，內容圍繞在臨時工盧皆得，他的生命故事被印製成冊，而作品整體視覺的展陳結合他常穿的藍色格紋衫，反思創作勞動與工作勞動之間的異同。

最終，第四展區回到感知與物件的堆疊，李傑的全新委託製作作品《People hate you for a reason》透過在空間中迴盪的流行音樂與自製聲響，以及投映於不織布地毯、不鏽鋼板與佈滿膠帶上的筆觸式影像，隨著觀眾在展場中的移動，生成多重媒介交錯堆疊下的觀看經驗，進一步思考感知如何被物質延展與重塑。

不同於中文展名對「物質世界」的直指，英文展名「Material Extensions」則試圖討論當代物質如何作為一種媒介，持續延展並擴張我們的日常知覺，並使展覽敘事形成一條由物質通往感知、再由感知重新理解物質世界的循環路徑。作為北美館典藏研究與展示脈絡的重要策劃之一，「物質世界」透過大量且珍貴的館藏作品，重新梳理不同世代藝術家如何回應物質、媒介與生活經驗的轉變，也凸顯典藏作品作為時代感知與社會樣貌見證的重要性。展覽不僅呈現館藏在藝術史與當代觀看中的持續對話，也邀請觀眾從作品中重新思考自身與物質世界的關係。即將推出的專輯，進一步收錄策展觀點與作品研究，延伸觀展閱讀的深度；展期間亦將推出系列導覽、講座與公眾活動，邀請觀眾走入展場，在觀看與參與之中持續開展對物質世界的思考。相關資訊與報名辦法請關注北美館官網（https://www.tfam.museum）或追蹤北美館Facebook及Instagram專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）。

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北美館典藏研究展「物質世界」，跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像｜新聞稿.pdf

北美館典藏研究展「物質世界」，跨越90年館藏，回應由物質所塑造的生活感知與想像｜媒體圖說.pdf

延續2023年的「未來身體：超自然雕塑」的前衛藝術思潮，臺北市立美術館（北美館）於今年春季再度與德國圖賓根文化交流協會（Institut für Kulturaustausch, Tübingen, Germany）攜手合作，推出「超現實主義：對話中的世界」大型國際展覽。展覽將自4月25日至8月30日於北美館地下樓D、E、F展覽室展出，集結近60位國際重要藝術家與影像創作者、逾120件代表性作品，橫跨繪畫、雕塑、攝影、電影等豐富而多樣的媒材表現，完整呈顯該運動對於現實的再想像與演繹。

距今百餘年前的1924年10月15日，作家安德烈．布勒東（André Breton）在巴黎發表了《超現實主義宣言》（Manifeste du surréalisme）。以此文本為基石，一場全新的文化革命運動順勢而生，其思想與美學實踐隨之全球蔓延，時至今日仍持續引發迴響。超現實主義的藝術家經歷第一次世界大戰所帶來的創傷經驗，因而開始質疑既有的社會秩序以及傳統的理性思維模式。他們從佛洛伊德的精神分析理論與各方思潮之中汲取養分，亦從不同視角思索性別、科技、心理及身分認同等核心議題。

本次策展透過對話式的呈現，將1920年代的超現實主義原初運動時期的作品，與其後各世代藝術家的創作並置，凸顯該運動並非是一個已終結於過去的歷史現象，而是一股與時代共振的動能。展覽共可分為「集體夢境」、「幻化無際」、「慾望之體」、「荒誕玩趣」四個子題單元，演示跨世代乃至當代的超現實主義實踐，如何成為挑戰傳統理性和現實觀念，與對未來進行批判性思考的觀看思維。

從集體夢境到幻化無際

夢，是人們加工與重組經驗的場域，而醫生暨心理學家西格蒙德．佛洛伊德（Sigmund Freud）所建立的夢的解析與精神分析學派，認為人類行為在很大程度上受潛意識與被壓抑的慾望影響，也為超現實主義提供重要的參考基礎。譬如，雷內．馬格利特（René Magritte）的作品注入非理性、夢境般的元素，透過與物理現實相悖的視覺安排，陌異化了熟悉的場景；伊夫．唐吉（Yves Tanguy）藉由神祕莫測的元素、形體構圖與畫筆下的荒蕪之境，將觀者帶入了藝術家主觀的超現實風景之中。在當代創作中，亦可見到這類「集體夢境」的意象，例如蘿倫．莫法特（Lauren Moffatt）的沉浸式擴增實境作品；她向來自不同國家的九位女性提問道：「每個人心中都潛藏著一個世界。你的世界是什麼模樣？」，運用遊戲引擎將她們的回答具象化，打造出一個由集體創作生成的全新想像世界。

在受超現實主義影響的藝術創作中，「幻化無際」也是藝術家探索不綴的母題，意指從一種狀態轉移至另一種狀態的演變歷程。雅各布．吉爾多（Jacob Gildor）以直觀的方式運用「蛻變」，將夢境般的潛意識轉換瞬間化為視覺意象，使作品呈現出可多重解讀的歧義性。在那些試圖改變傳統觀看方式的超現實主義作品中，「蛻變」同時也與前衛超現實主義者對自我的探索，以及對身分認同的思考緊密相關。其中最具代表性的是女同志攝影師克勞德．卡恩（Claude Cahun），在其經典的自拍像作品中，她以雌雄同體、性別流動的形象呈現自我，為辛蒂．雪曼（Cindy Sherman）及歐蘭（ORLAN）等後世藝術家的開闢了新路徑——透過蛻變，熟悉之物被注入陌生感，既有的刻板印象也隨之鬆動。

慾望之體以及荒誕玩趣

受佛洛伊德對「本能」探究的啟發，「慾望之體」成為前衛超現實主義藝術家的另一個聚焦的題材，創作者們試圖與受基督教傳統所影響的理性中產階級抗衡。曼．雷（Man Ray）被視為達達主義與超現實主義最重要的代表人物之一。他的創作譜系極其多元，身兼電影創作者、攝影師與畫家，開發出「中途曝光」及「實物投影」等創新技法，拓展了攝影的表現方式。他常將模特兒安排成帶有情慾暗示的裝飾性物件，並透過將身體部位從真實空間中抽離，營造出一種隱晦不明的感受；其《安格爾的小提琴》將女性背部化為帶有小提琴f孔圖樣的攝影作品，即是最廣為人知的超現實主義經典。

儘管以當代的觀點來審視，這種關注多以「男性凝視」的視角，反映異性戀男性對女性身體的觀看方式與偏好，但針對官能性的關注也為後世藝術家的創作實踐提供省思。如梅雷特．奧本海姆（Meret Oppenheim）與莎拉．盧卡斯（Sarah Lucas）等藝術家挪用超現實主義的圖像語彙，將傳統上被動的女性「客體」轉化為強大且主動的「主體」。前者的《史前維納斯》藉由變形顛覆女體應流露誘人媚態、比例勻稱的既定觀感。後者《女孩》則運用多種日常材料拼裝雕塑，但卻刻意拉長四肢與使其頭部缺席、讓身體與物件之間的微妙張力悄然浮現，過往的「慾望之體」反倒成為拒絕供人投射慾望的載體。

此外，超現實主義者亦著力於以非常規的創作程序，直接在作品本體上展開實驗。這一「荒誕玩趣」的傾向體現在拓印法、刮擦法、轉印法、煙燻法等繪畫技法中，並以此作為圖像後續演化的起點。沃爾夫岡．帕倫（Wolfgang Paalen）用蠟燭火焰在紙面上留下隨機形成的煙痕；有些痕跡的形貌被原封不動地保留，有些則透過繪畫與素描技法，進一步發展成充滿想像力的構圖。

超現實主義者也常運用「精緻屍體」（法語：cadavre exquis）這類的文字接龍遊戲，其名稱源於成員在紙上隨機寫下單詞後拼湊出的句子：「精緻的屍體將喝下新釀的酒」（Le cadavre exquis boira le vin nouveau），荒誕卻富饒詩意。這種創作方式之後從字句延伸到繪畫：每位參與者輪流在一張紙上繪畫，然後摺起紙張隱藏完整的圖樣，再將其傳遞給下一位玩家進行創作。歐文．沃姆（Erwin Wurm）的《一分鐘雕塑》系列便呼應對於「偶然性」的類似運用，參與者可與擺放日常物件的展臺互動，將有些突兀的行動轉換成具表演性質的身體展演。本次展覽也特別規劃有「精緻屍體」的繪畫體驗區，觀眾可一同感受不受傳統束縛的超現實創作手法，建構意想不到的連結。

超現實主義電影

電影對超現實主義之所以具有重大意義，除了極具前衛主義的視覺造型之外，也透過剪接、疊印、拼貼及各種實驗手法得以顛覆現實。展覽中特別精選三部在今日仍被視為最具代表性的超現實主義電影片段：潔嫚．杜拉克（Germaine Dulac）的《貝殼與牧師》（1928）、路易斯．布紐爾（Luis Buñuel）與薩爾瓦多．達利（Salvador Dalí）合作的《安達魯之犬》（1929），以及布紐爾的《黃金時代》（1930）。大衛．林區（David Lynch）與葛雷摩．戴．托羅（Guillermo del Toro）等導演也在電影中採用多種超現實意象，並將其與肉體恐怖或是奇幻詭譎的元素結合，凸顯潛意識優先於線性邏輯的敘事特質。

透過以當代視角重新觀看超現實主義作品，諸如形體轉化、身分認同的探尋、非理性，以及對現實感知的玩味與操弄，依舊是貫穿其中的核心議題。時隔百年，今日的我們正經歷著另一個動盪不安的劇變期。全新的現實與全球秩序，以及不斷變動的價值體系，正在撼動我們對世局的既有理解。在日益科技化與數位化的當代社會裡，對自身意識的詰問再度成為眾所關注的核心：身而為人的本質為何？而超現實主義作品的主題與意象，在今日看來比以往任何時候都更具現實意義。

展覽預計將於展期內辦理2場「展覽漫遊」活動，邀請專家學者帶領觀眾於展場中一起漫談賞析，從藝術史，及電影/影像媒體發展的角度切入，剖析超現實主義的淵源、流變及其影響。同時也針對7-12歲孩童，預計每月舉辦1場環繞夢境為題的「超現實繪畫工作坊」，帶領小朋友透過自由聯想，以及超現實主義畫家們擅長使用的繪畫技法，把做過的夢、對未來的夢想揮灑於畫紙上。詳細活動辦法及時間資訊請關注北美館官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤北美館Facebook及Instagram專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）。

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「超現實主義：對話中的世界」跨越百年的影響力，夢境與潛意識交錯的想像風景│新聞稿｜新聞稿.pdf

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正取:陳O瑜

備取1:蔡O分

備取2:顏O夫

(候補期間:自115年4月1日起至115年7月1日止)
 

正取:陳O瑄

正取:陳O瑄

經政府公告之國定假日，不對外開放。

115年國定假日如下：

1月1日 星期四 中華民國開國紀念日

2月15日 星期日 小年夜

2月16日 星期一 除夕

2月17日 星期二 大年初一

2月18日 星期三 大年初二

2月19日 星期四 大年初三

2月20日 星期五 大年初四

2月21日 星期六 大年初五

2月28日 星期日 二二八和平紀念日

4月4日 星期六 兒童節

4月5日 星期日 民俗掃墓節

5月1日 星期五 勞動節

6月19日 星期五 端午節

9月25日 星期五 中秋節

9月28日 星期一 孔子誕辰紀念日

10月10日 星期六 國慶日

10月25日 星期日 臺灣光復暨金門古寧頭大捷紀念日

12月25日 星期五 行憲紀念日

臺北市立美術館主辦之2026年「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館，代表參展藝術家李亦凡偕同北美館團隊於今日正式公布，邀請現任美國丹佛藝術博物館（Denver Art Museum）現代與當代拉丁美洲藝術部門主任哈法艾爾・馮希卡（Raphael Fonseca）擔任本屆台灣館策展人。作為來自巴西、活躍於國際藝壇的新世代策展人，馮希卡將與同世代的藝術家李亦凡展開一場跨地域、跨文化的對話，回應資訊與影像爆炸的時代處境，思考人類與科技之間錯綜的連結與辯證，展現臺灣當代藝術在全球數位語境中的共鳴，並探討個體如何憑藉一己之力參與、理解與建構自身所處的世界。

馮希卡於巴西里約熱內盧州立大學（UERJ）取得藝術史與藝術評論博士學位，近年在國際策展實踐備受矚目，橫跨南美、歐洲與亞洲，並連續兩年（2023、2024）入選《ArtReview》「全球百大最具影響力的當代藝術人物」。他於2025年擔任第14屆第14屆南方共同市場雙年展（Mercosul Biennial）總策展人，與李亦凡初次展開合作並建立對話基礎。馮希卡擅以幽默荒誕的策展語彙構築展覽現場，將其視為一場集會與舞台，融入大眾文化熟知的意象，引發觀眾對當代處境的思辨，而這樣的策展語境，與李亦凡作品中結合黑色幽默與戲劇化敘事相互呼應。

馮希卡長期聚焦「全球南方」（Global South）藝術家的創作實踐，探討當代藝術於跨地域脈絡下所蘊含的文化與政治能量，並思考不同語境並置能如何激發觀眾對當代議題的反思，擅以開放且多元的視野拓展跨國對話的可能性。北美館駱麗真館長表示：「憑藉策展人活躍的國際策展經驗與獨特視角，期待本屆台灣館能開闢新世代所關注的當代對話取徑，並以南方視點開啟對影像、科技與人類存在的共同思索。 」

公布展覽命題：鬱卒的平面（Screen Melancholy）

與此同時，北美館首度公布本屆台灣館展覽命題，將以「鬱卒的平面」為名，展名以藝術史上常被引用的母題「鬱卒（Melancholy）」為切入，揭示李亦凡回應當下數位環境中，人在面對數位軟體所制約和形塑的世界時，因感知的扁平化而產生出焦慮與鬱悶。展覽將延續李亦凡對影像生成技術與即興敘事的探究，以其獨具個人特色的創作手法，挑戰我們慣常的觀看模式。面對資訊過剩且不斷流動的時代，他提出對感知、主觀意識以及人類如何在未來表達自我的思考。生命短暫，知識無涯，當我們無法以理性或檔案學的方式全然理解一切，或許只剩下「鬱卒」能回應當下的狀態。

正在荷蘭Rijksakademie（皇家視覺藝術學院）駐村的李亦凡，數次往返威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni，簡稱普宮）場勘，作品靈感來源之一是普宮的建築本體，預期創造一個類似迷宮般的虛實環境，一件將於中央大廳展出的因地制宜錄像作品。搭配數件誇大的人體雕塑，以不同角度的肢體部位錯落在普宮的房間與廊道，觸發觀者對物質碎片化的反思。

馮希卡表示：「李亦凡的創作持續探索藝術家與媒介（或軟體工具）之間的關係，從繪畫、電影、動畫一路追溯至今日AI生成影像的思考，揭開對當代影像生產的關注，再由詼諧荒誕的手法，批判性地回應影像生成工具的演變，以及影像政治的形成，期待本屆作品能引發人們的知覺經驗，改變理解世界的方式。」

藝術家與軟體之間的殊死戰

自2019年以來，李亦凡持續以遊戲引擎、實時影像及動態建模系統開發專屬的影像生成工具，藉此思考遊戲中時間與空間的奇異凝滯，探究技術中介與敘事建構之間的關係。例如首度嘗試以即時3D運算軟體「Unreal Engine」（虛幻引擎）進行創作的作品《important_message.mp4》（2019-2020）；或是透過動態捕捉（Motion capture）人物肢體動作的作品《Rewiring》（2020），探討數位時代人類如何控制虛擬的數位身體，並探索控制技術所延伸的情慾狂想。

他長期關注網路世界資訊的混雜與過度流動，以及其對身體與心理造成的騷動，組構出跳躍的敘事技巧與演說式腳本，如作品《不好意思‧‧‧請問一下這個怎麼打開（howdoyouturnthison）》（2021），巧妙地操控扭動的自身人偶，以第一人稱呢喃自語的討論人與科技的陰謀論；作品《難忘的形狀（What Is Your Favorite Primitive）》（2023），以一場諷刺性的科技發表會為形式，反思影像如何重塑溝通方式，試想影像技術是否終有一天能投射出尚未實現的「整體性」，進而建構一種全新的生存狀態。

李亦凡曾說：「我將創作過程形容為一場「藝術家與軟體之間的殊死戰」——在疲憊、拉扯與碰撞的抗衡中，敘事緩緩生成。在當代影像的生產中，創作者無可避免地依賴各式各樣的軟體工具；它們有的開源自由，有的極度商業。每一種選擇都代表著不同的表達可能性，同時也隱含著各自的侷限與控制。我在這些體系之間遊走，試圖理解創作者與當代工具之間那種微妙的依存與抵抗關係。透過這樣的過程，我試圖從這些影像生產技術出發，去思考人與科技媒介之間的狀態。」

李亦凡透過類似數位操偶的方式——模仿各種線上教學影片的語氣展開敘事，不僅質疑自身，亦向觀眾拋出關於人類知識的多元面向，流露出對當下與未來的悲觀情緒。隨著影像場景的轉換，劇場背景不斷變化，資訊量層層堆疊，形成一種百科全書式的觀看經驗：既展現了人類對世界浩瀚無垠的掌控欲和好奇心，同時也凸顯了我們理解世界的局限性，並最終回歸一個核心提問——究竟，何謂「人」？

「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館將呈現一件式影像裝置，李亦凡以其擅長的「教學頻道」形式進行獨角演出，檢視當代影像生產工具以「軟體即服務」（Software as a Service）的運行模式，探討人類如何透過「特定媒介」感知世界，思考這樣的模式如何改變使用者對影像再現本質的理解，並延伸至今日不可忽視的AI生成影像話題，讓媒介本身成為一個不斷反思、轉譯與轉化的場域。

附件

關於藝術家

李亦凡（1989－）生於臺北，國立臺北藝術大學新媒體藝術碩士，曾榮獲2024第8屆洪建全基金會「銅鐘藝術賞」、2024第46屆「金穗大獎」、2022第20屆「台新藝術獎」視覺藝術獎項與2020「高雄獎」。曾在日本、歐洲擔任駐村藝術家，並在國立臺灣美術館、臺南市美術館、法國、西班牙、比利時等地展覽，如2025年第14屆南方共同市場雙年展（14th Mercosul Biennial）與法國里昂維勒班當代藝術中心（IAC）「Last Warning」個展、2024年日本東京NTT InterCommunication Center（ICC）的一年展「非常迫近的遙遠」與美國紐約雕塑中心（SculptureCenter）「小世界影院」等國際展覽，以及2023台北雙年展「小世界」、2021 亞洲雙年展「未至之城」、2020台灣美術雙年展「禽獸不如」等重要國內展覽。藉由雕塑、繪畫、影像投影以及科技遊戲引擎等方式創作，利用獨白方式探討人性以及科技之間的關係，亦經常藉作品表現創作過程中故事、生活與媒材互相交織的維度。

關於策展人

哈法艾爾・馮希卡（Raphael Fonseca）生於巴西里約熱內盧，現居美國丹佛。他自2021年起任職於丹佛美術館，身兼策展人以及現代與當代拉丁美洲藝術部門主管。擁有巴西里約熱內盧州立大學（UERJ）藝術史與批評博士學位。他是2025年「第14屆南方共同市場雙年展」（14th Mercosul Biennial）的首席策展人。2023年與2024年，《ArtReview》雜誌將他列入全球視覺藝術領域最具影響力的100人之中。 他代表性的展覽策劃包括：《火力全開：巴西1980年代的視覺藝術》（巴西銀行文化中心，里約熱內盧、巴西利亞、聖保羅、米納斯吉拉斯，2024-2025）；《桑德拉・巴斯克斯・德・拉・霍拉：覺醒的火山》（丹佛美術館，美國，2024）；《誰講故事就加尾巴》（丹佛美術館，美國，2022）；《疲憊舌頭的沉默》（Framer Framed，阿姆斯特丹，荷蘭，2022）以及《失物招領》（ICA，新加坡，2019）。

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2026年「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館公布展名「鬱卒的平面」｜新聞稿.pdf

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2025年10月31日，台北——第 14 屆台北雙年展「地平線上的低吟」11 月 1 日於臺北市立美術館（北美館）開幕。展覽由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力——那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。它既是個人也是集體的，柔弱而倔強；是將渴求連結至想像及變革的線索。展覽試圖以低聲而堅定的語調談論未來，而非高聲宣示。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性——那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）則象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展的概念基於三件看似尋常、卻富有象徵性的物件，它們並未以實體在展間中出現，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻：侯孝賢的電影《戲夢人生》（1993）中出現的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真的短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。這些文學和電影文本共同鋪陳本屆雙年展的架構，三種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，而單車則隱喻追尋。

雙年展將當代作品與北美館典藏作品交織呈現，將近30件館藏作品分布於展場各處，與新委託創作及借件作品展開對話。其中，來自 1930 至 1980 年代的攝影作品構成貫穿雙年展的線索，呼應展覽概念的出發點——「尪仔」、「日記」與「腳踏車」；其他作品則在形式或主題上，與展場中特定作品產生共鳴。這些典藏作品不僅以歷史作品現身，更成為思慕的活性媒介，連結延續與轉化。這樣的策展方法，使曾塑造臺灣文化的藝術家，與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代對話。

本屆展覽特別打造以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔。這些懸浮的元素形成具穿透性的界面，透過佈局使觀者視線能穿越展廳，創造空間連結的節奏律動。此空間策略呼應雙年展的主題脈動，引領觀眾沉浸於流動且具沉思性的觀展經驗。此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡，並開啟理解雙年展理念的易達路徑。

策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「我們希望創造一個唯有在此地能實現的雙年展——傾聽那些形塑臺北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。我們與臺北市立美術館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當堅持深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在『地平線上的低吟』中，思慕就是那座橋樑—— 它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」

展覽亮點

一樓

一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品。這些作品共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。

• 邱子晏（1985年生於苗栗三義）在 《偽飛行場》（2025） 中，重建一個日本殖民統治時期的誘敵機場。透過由鐵架和紙板手工搭建的零式戰鬥機，以及駕駛艙內的錄像，這個現地製作融合歷史事實與虛構敘事，檢視集體記憶的形塑過程。
• 陳進（1907至1998年，新竹）的繪畫《野邊》（1934），以寧靜卻有力的筆觸描繪田間的婦女。她筆下的優雅女性，風格與氣質象徵臺灣追尋身分的時代精神。
• 納里・沃德（1963年生於聖安德魯）的《音聲系統》（2025） 將大理石轉化為具象徵意義的揚聲器，推崇牙買加聲音文化為一種社會雕塑形式，並探索節奏如何孕育歸屬的結構。
• 阿夫拉・阿達希里（1988年生於阿布達比）《加重停頓》（2025）利用厚重的環狀繩索構成冥想式佈局，邀請觀者在節奏飛快的世界裡，以「緩慢」作為抵抗的形式。
• 西爾維・塞利格（1941年生於尼斯）的刺繡作品重新詮釋與蛻變相關的神話題材，寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷）的 《愛在死亡之後》（2025）打造沉浸式儀式空間，在其中，哀悼、記憶與信仰在聲響與光影閃爍中交融共生。

地下樓

地下樓的作品聚焦「身體」，將其視為見證與轉化發生的場域。該樓層猶如一面地下鏡像：觀者在此深入自我內在，而思慕則透過呼吸、重複與儀式逐漸具象化。

• 伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒）作品《氣動激情》（2020–2024）和《靈變》（2025）將呼吸的動作轉化為雕塑形式，以特定節奏敲擊的石頭、玻璃容器與其中的霧氣，模擬肺部呼吸的運動，體現對昇華的渴望。
• 克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯（1979年生於倫敦）展出由人工智能生成的繪畫作品，重新詮釋斯里蘭卡的殖民歷史，並將政治敘事與數位抽象風格相融合，藉此質疑「自動化記憶」時代中的歷史真相。
• 于吉（1985年生於上海）作「石肉」系列（2020–2024）以水泥為材料，創作看似堅實、卻又帶有脆弱感的形體，巧妙揭示身體與建築空間之間的關係。
• 徐清波（1930 至2021年，板橋）的攝影《密談》（1956）捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈——既分隔，又連結，映照出展覽中反覆出現的追尋與失落主題。
• 傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷）錄像作品《礦物王國（暗綠）》（2025）將個人悲傷轉化為數位地景，並運用如夢似幻的意象，讓記憶與虛擬場域相互交融。

二樓

二樓展覽將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題。展出作品追溯現代藝術脈絡，由對感知、詮釋與連結的渴望所塑造 —— 透過思慕的視角，共同重構對世界的想像。

• 鄧南光（1907至1971年，北埔）的攝影《台北，太平町 （一） 》（1942）記錄殖民現代性背景下城市的變遷，兼具紀實的精準度和電影般的視角。
• 陳澄波（1895至 1947年，嘉義）於1920至1930 年代創作的明亮風景畫，呈現時代交會下臺灣的變遷風貌，體現出在地傳統與全球現代主義之間的對話。
• 劉國松（1932年生於安徽蚌埠）《浮動的山》（1978）突破傳統水墨畫的框架，發展出全新的抽象形式，並將古典宇宙觀與現代視角相連結。
• 伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎）的雕塑《此處》（2025），以分藏兩地的古典繪畫《富春山居圖》為靈感，打造出一座鏡像森林，並將分離的主題轉化為充滿反思意蘊的視覺詩篇。
• 皮・斯塔弗（1987年生於伯格諾里吉斯）的錄像《骸骨》（2025）將展間轉化為探討控制與抵抗的場域，透過紅外線影像與詩意敘事，檢視身體如何被規訓與解放。
• 莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特）作品《小室》（2012–2013）將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，以此構築出強烈的隱喻，揭示歸屬感中保護與禁錮的雙重性。

臺北市立美術館館長駱麗真表示：「自創辦以來，台北雙年展始終是包容多聲並陳的平台。本屆雙年展創造出多重的動態空間，在其中辯證在地經驗與全球脈絡之間錯綜複雜的關係，並邀請觀眾在相互連結的當代現實中重新自我定位。它鼓勵我們放慢步調、鬆動成見——去傾聽周遭微弱而多樣的聲音，並一次又一次，不厭其煩且溫柔地與世界重新連結。」

公衆活動

11月1日至2日的開幕週末期間，將舉辦為期兩日的論壇，共計六場座談，主題含括歸屬、失調、思慕、歷史、觀看與合作，邀集參展藝術家、作家與學者，共同探討雙年展的核心概念。這些場次將探問個人敘事、在地脈絡與全球論述的交匯之處，並將展覽概念延伸至公共領域。

在為期五個月的展期中，「地平線上的低吟」將持續作為一個動態的平台，推出一系列表演與教育活動。展覽將於展期最後一週，以麗娜．拉蓓利代（Lina Lapelytė）的演出作結，進一步拓展她對集體之聲的探索。相關展覽及活動關資訊，請關注2025台北雙年展官方網站（www.taipeibiennial.org/2025），或北美館社群平台（Facebook /Instagram）。

參展藝術家（按英文姓氏首字母排序）

法特瑪・阿布杜哈迪（1988年生於利雅德，現居工作於利雅德）

寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷，現居工作於紐約及曼谷）

伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒，現居工作於紐約）

拉納・貝古姆（1977年生於錫爾赫特，現居工作於倫敦）

雅各波・貝納西（1970年生於拉斯佩齊亞，現居工作於拉斯佩齊亞）

赫拉・比于塔詹（1984年生於伊斯坦堡，現居工作於伊斯坦堡）

艾德加・卡萊爾（1987年生於聖胡安科馬拉帕，奇索特，現居工作於聖胡安科馬拉帕，奇索特）

張照堂 （1943年生於板橋，逝於2024年）

張彩如（1990 年生於波索斯・迪・卡爾達斯，現居工作於聖保羅）

陳澄波（1895年生於嘉義，逝於1947年）

陳植棋（1906年生於臺北汐止，逝於1931年）

陳進（1907年生於新竹，逝於1998年）

陳柏豪（1982年生於高雄，現居工作於鹿特丹）

鄭桑溪（1937年生於基隆，逝於2011年）

致穎（1985年生於臺北，現居工作於臺北及柏林）

加埃爾・肖瓦內（1985年生於瑟堡，現居工作於富熱爾及巴黎）

莊偉（1990年生於廣東，現居工作於柏林及香港）

邱子晏（1985年生於苗栗三義，現居工作於苗栗與雲林）

傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷，現居工作於阿森斯及紐約）

羅希尼・德瓦夏爾（1978年生於新德里，現居工作於新德里）

阿夫拉・阿達希里（1988年生於阿布達比，現居工作於阿布達比）

西蒙・迪布羅・莫勒（1976年生於奧胡斯，現居工作於哥本哈根）

穆罕默德・阿法拉傑（1993年生於阿哈薩，現居工作於阿哈薩）

莫尼亞・班・哈穆達（1991年生於米蘭，現居工作於開羅安及米蘭）

莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特，現居工作於倫敦）

賀子珂（1990年生於貴陽，現居工作於北京及貴陽）

何懷碩（1941年生於廣東，現居工作於新北市）

何彥諺（1993年生於臺北，現居工作於臺北）

蕭永盛（1959年生於苗栗竹南，現居工作於臺北）

黃則修（1930年生於臺北，逝於2014年）

安娜・葉爾莫萊娃（1970年生於列寧格勒，現居工作於維也納及林茲）

伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎，現居工作於巴黎）

雅浸・金朝恩（1989年生於韓國，現居工作於紐約）

金玟廷（1962年生於光州，現居工作於紐約及南法地區）

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯（1979年生於倫敦，現居工作於柏林及倫敦）

麗娜．拉蓓利代（1984年生於考納斯，現居工作於倫敦及維爾紐斯）

李仲生（1912年生於廣東韶關，逝於1984年）

李惠芳（1948年生於臺中，現居工作於臺北）

李釣綸（1909年生於臺北士林，逝於1992年）

林壽鎰（1916年生於桃園，逝於2011年）

劉安明（1929年生於屏東海豐，逝於2022年）

劉國松（1932年生於安徽蚌埠，現居工作於臺北）

郎靜山（1892年生於江蘇淮陰，逝於1995年）

歐馬爾・米斯馬爾（1986年生於塔納耶，現居工作於貝魯特）

倪灝（1989年生於新竹，現居工作於新竹）

亨里克・奧利維拉（1973年生於聖保羅，現居工作於倫敦）

歐陽文苑（1928年生於廣西，逝於2008年）

邦尼・羅傑斯（1990年生於休士頓，現居工作於紐約皇后區）

澤拓（1977年生於石川，現居工作於倫敦及金澤）

西爾維・塞利格（1941年生於尼斯，現居工作於巴黎）

傑瑞米・蕭（1977年生於北溫哥華，現居工作於柏林）

席德進（1923年生於四川，逝於1981年）

皮・斯塔弗（1987年生於伯格諾里吉斯，現居工作於洛杉磯及倫敦）

徐清波（1930年生於板橋，逝於2021年）

卓永俊（1989年生於首爾，現居工作於柏林）

高田冬彦（1987年生於廣島，現居工作於千葉）

鄧南光（1907年生於新竹北埔，逝於1971年）

蕭崇（1987年生於海陽，現居工作於柏林）

基里亞科斯・托波利迪斯（1997年生於埃森，現居工作於柏林）

阿瓦羅・烏爾巴諾（1983年生於馬德里，現居工作於柏林及巴黎）

王湘靈（1984年生於臺北，現居工作於臺北）

王耀億（1987年生於臺南，現居工作於臺北）

納里・沃德（1963年生於聖安德魯，現居工作於紐約）

吳家昀（1988年生於宜蘭，現居工作於紐約）

楊基炘（1923年生於臺中清水，逝於2005年）

姚孟嘉（1946年生於臺北萬華，逝於1996年）

李受俓（1963年生於首爾，現居工作於首爾）

橫溝靜（1966年生於東京，現居工作於倫敦）

于吉（1985年生於上海，現居工作於紐約及上海）

袁金塔（1949年生於彰化員林，現居工作於臺北）

張如怡（1985年生於上海，現居工作於上海）

托比亞斯・茲耶羅尼（1973年生於烏帕塔，現居工作於柏林）

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2025 台北雙年展盛大開幕｜新聞稿.pdf

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2025年9月17日，台北——2025年第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」，11月1日即將於臺北市立美術館（北美館）開幕。展覽由柏林漢堡車站國家當代藝術美術館（Hamburger Bahnhof - National Gallery of Contemporary Art）雙館長山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath）共同策劃，彙集來自全球35個城市、52位藝術家的作品，其中包含33件全新委託創作與現地製作。

展覽以臺灣層疊錯綜的歷史為背景，鋪陳出對「思慕」的探討——並非訴諸懷舊之情，而是指向現實與想望之間的張力。同時，它跨越國界和文化產生共鳴，既體現深植於人性的慾望，也提供解讀當下處境的一種視角。而在今日，思慕更展現出新的迫切性：在現實可能隨時被抹除或遺忘的危機之中，它成為爭取正義、認同和歸屬的集體追求。這種緊迫感縈繞於三個啟發本屆雙年展的物件中：侯孝賢《戲夢人生》（1993）中的尪仔；陳映真《我的弟弟康雄》（1960）中的日記；以及吳明益《單車失竊記》（2015）中的單車。每個物件都承載著失落與渴望，提醒我們思慕並非抽象無形，而是切身體驗。

地平線上的低吟」彙集以截然不同方式體現思慕的作品，包括影像、表演、雕塑和沉浸式場景。這些作品構築記憶、脆弱與創造的共鳴場域——每件作品都宛如地平線上的一縷低吟，敦促我們以嶄新的方式傾聽，立足於未竟之境。本屆雙年展邀請觀眾走入「介於之間」的空間——由藝術家創作交織而成、充滿探索與可能性的領域。

本屆雙年展的亮點作品包括以下全新委託創作，以及沉浸或參與式之現地製作：

• 寇拉克裡・阿讓諾度才（Korakrit Arunanondchai，生於1986年，現居曼谷和紐約）的 《愛在死亡之後》將回憶與神話融合成幽靈般的儀式：據聞能傳達逝者意念的靈體和猴子在透明投影幕上閃爍現形，探問悲痛如何將灰燼化鍊為黃金。
• 歐馬爾・米斯馬爾（Omar Mismar，生於1986年，現居貝魯特）的 《我的雙眼仍在流淚》 展示一束宏偉的人工花卉，靈感來自 《巴勒斯坦之花》（1870）。這些完美但無香的花朵，反映巴勒斯坦作為生機之地，卻逐漸化為凋零的記憶。
• 邱子晏（生於1985年，現居苗栗及雲林）在 《偽飛行場》 中重建一個殖民時期的誘敵機場，結合手工製作的零式戰鬥機和錄像敘事，他揭示歷史的虛構本質，並探索臺灣身份認同與自身客家文化的傳承。
• 阿瓦羅・烏爾巴諾（Álvaro Urbano，生於1983年，現居柏林及巴黎）的 《活畫（失竊的太陽）》 呈現一個無聲劇場，物件在變幻的光影中如同幽靈般浮現，與北美館的館藏作品交織，模糊美術館與舞臺、歷史與角色扮演之間的界限。
• 法特瑪·阿布杜哈迪（Fatma Abdulhadi，生於1988年，現居利雅德）的作品 《留下的……盡可能長存》 中，以九層塔植栽與絹印網布構築芬芳花園，保存那些逐漸消逝的關懷與追憶儀式，讓氣味與寂靜化為歸屬的容器。
• 加埃爾・肖瓦內（Gaëlle Choisne，生於1985年，現居富熱爾及巴黎）的《幸運餅乾》是由數千個手工捏製的陶土幸運餅乾組成的裝置作品。每個餅乾內都藏有一顆種子或一個秘密，引人聯想起隱而未見的勞動，以及被錯置的文化歷史。

山姆． 巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「如今最令我們觸動的是，思慕已不僅是個體的表達，而是某種深刻的集體經驗。無論我們望向何處，皆充滿渴望：在面臨假訊息時尋求真相，在破碎的社群中尋找歸屬，以及在分歧的時代渴求連結。雙年展中的創作並不會化解這些張力，反而是使它具象化。這正是本屆雙年展的承諾：讓思慕不再是抽象或歷史的產物，而是鮮活、迫切且當代共享的體驗。」

2025年11月1日至2日的開幕週末期間，雙年展除呈獻雅各波・貝納西（Jacopo Benassi）的音樂表演外，亦將舉辦為期兩日的論壇，共計六場座談，深入探討思慕、歸屬、失調、歷史、觀點與合作等主題，邀集近30位傑出參展藝術家以及思想家齊聚對話，包括作家吳明益、多媒體與裝置藝術家莫娜・哈透姆（Mona Hatoum），以及多領域藝術家和雕塑家伊凡娜・巴希奇（Ivana Bašić）、錄像創作者吳家昀等。這些座談從展覽主題出發，激發與會者進一步討論與交流藝術如何深入探問、挑戰既有假設並開啟新可能。

本屆台北雙年展獲得眾多企業夥伴與單位的積極參與及資源挹注，對於展覽的實現至關重要。中國信託文教基金會長期支持臺灣藝術的發展，已連續三屆擔任台北雙年展的主力贊助。基金會董事長馮寄台表示：「台北雙年展是全球當代藝術的指標性平台，更是臺灣與國際當代藝術家同台展現創造力的場域。我們期盼透過各界量能的注入，提升臺灣國際文化交流的軟實力，並與大眾共享當代藝術的多元內涵與價值。」同時，亦特別感謝日本國立藝術研究中心（National Center for Art Research, Japan）支持日本參展藝術家、洪建全基金會支持臺灣藝術家作品製作，以及璞園建築團隊贊助展場製作。

相關展覽及活動關資訊，請關注2025台北雙年展官方網站（www.taipeibiennial.org/2025），或北美館社群平台（Facebook /Instagram）。

參展藝術家（按英文姓氏首字母排序）

法特瑪・阿布杜哈迪 （1988年生於利雅德，現居工作於利雅德）

阿夫拉・阿達希里（1988年生於阿布達比，現居工作於阿布達比）

穆罕默德・阿法拉傑（1993年生於阿哈薩，現居工作於阿哈薩）

寇拉克里・阿讓諾度才（1986年生於曼谷，現居工作於紐約及曼谷）

伊凡娜・巴希奇（1986年生於貝爾格勒，現居工作於紐約）

拉納・貝古姆（1977年生於錫爾赫特，現居工作於倫敦）

莫尼亞・班・哈穆達（1991年生於米蘭，現居工作於開羅安及米蘭）

雅各波・貝納西（1970年生於拉斯佩齊亞，現居工作於拉斯佩齊亞）

赫拉・比于塔詹（1984年生於伊斯坦堡，現居工作於伊斯坦堡）

艾德加・卡萊爾（1987年生於聖胡安科馬拉帕奇索特，現居工作於聖胡安科馬拉帕奇索特）

張彩如（1990 年生於波索斯・迪・卡爾達斯，現居工作於聖保羅）

陳澄波（1895出生於嘉義，1947年逝於嘉義）

陳植棋（1906生於臺北汐止，1931年逝於臺北汐止，現新北市）

陳進（1907生於新竹，1998年逝於臺北）

陳柏豪（1982年生於高雄，現居工作於鹿特丹）

致穎（1985年生於臺北，現居工作於臺北及柏林）

加埃爾・肖瓦內（1985年生於瑟堡，現居工作於富熱爾及巴黎）

莊偉（1990年生於廣東，現居工作於柏林及香港）

邱子晏（1985年生於苗栗三義，現居工作於苗栗及雲林）

傑基・康諾利（1990年生於紐約下哈德遜河谷，現居工作於紐約阿森斯）

羅希尼・德瓦夏爾（1978年生於新德里，現居工作於新德里）

西蒙・迪布羅・莫勒（1976年生於奧胡斯，現居工作於哥本哈根）

莫娜・哈透姆（1952年生於貝魯特，現居工作於倫敦）

賀子珂（1990年生於貴陽，現居工作於北京及貴陽）

何彥諺（1993年生於臺北，現居工作於臺北）

安娜・葉爾莫萊娃（1970年生於列寧格勒，現居工作於維也納及林茲）

伊娃・喬瑟邦（1975年生於巴黎，現居工作於巴黎）

金玟廷（1962年生於光州，現居工作於紐約及南法地區）

雅浸・金朝恩（1989年生於韓國，現居工作於紐約）

麗娜．拉蓓利代（1984年生於考納斯，現居工作於倫敦及維爾紐斯）

歐馬爾・米斯馬爾（1986年生於塔納耶，現居工作於貝魯特）

倪灝（1989年生於新竹，現居工作於新竹）

亨里克・奧利維拉（1973年生於聖保羅，現居工作於倫敦）

邦尼・羅傑斯（1990年生於休士頓，現居工作於紐約皇后區）

澤拓（1977年生於石川縣，現居工作於倫敦及金澤）

西爾維・塞利格（1941年生於尼斯，現居工作於巴黎）

傑瑞米・蕭（1977年生於北溫哥華，現居工作於柏林）

皮・斯塔夫（1987年生於伯格諾里吉斯，現居工作於洛杉磯及倫敦）

卓永俊（1989年生於首爾，現居工作於柏林）

高田冬彦（1987年生於廣島縣，現居工作於千葉）

蕭崇（1987年生於海陽，現居工作於柏林）

基里亞科斯・托波利迪斯（1997年生於埃森，現居工作於柏林）

阿瓦羅・烏爾巴諾（1983年生於馬德里，現居工作於柏林及巴黎）

王湘靈（1984年生於臺北，現居工作於臺北）

王耀億（1987年生於臺南，現居工作於臺北）

納里・沃德（1963年生於聖安德魯，現居工作於紐約）

吳家昀（1988年生於宜蘭，現居工作於紐約）

李受俓（1963年生於首爾，現居工作於首爾）

橫溝靜（1966年生於東京，現居工作於倫敦）

于吉（1985年生於上海，現居工作於紐約及上海）

張如怡（1985年生於上海，現居工作於上海）

托比亞斯・茲耶羅尼（1973年生於烏帕塔，現居工作於柏林）

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2025年第14屆台北雙年展發佈亮點及開幕活動，探索集體思慕與共同未來｜新聞稿.pdf

2025年第14屆台北雙年展發佈亮點及開幕活動，探索集體思慕與共同未來│媒體圖說.pdf

2025年第14屆台北雙年展策展人、台北雙年展及贊助單位介紹.pdf

由臺北市立美術館主辦之第60屆威尼斯國際美術雙年展台灣館已於昨日（11/24）順利閉幕，藝術家袁廣鳴偕同策展人陳暢（Abby Chen）攜手呈現的「日常戰爭」一展，隱喻日常現狀所潛藏的威脅，與離散、焦慮等當代生存景況——映照出臺灣脆弱卻又極具韌性的政治社會情勢，同時也有力地回應了本屆雙年展主題「處處都是外人」（Foreigners Everywhere）聚焦於文化流動及邊緣視角的策展論述。

近2,000名藝術專業人士及媒體參與本次台灣館的三日預展，佳評如潮，包括英國海沃德美術館長拉爾夫．魯格夫（Ralph Rugoff）、日本森美術館顧問南條史生（Nanjo Fumio）、新加坡國家畫廊與新加坡美術館館長陳維德（Eugene Tan）、里昂雙年展藝術總監伊莎貝爾．貝托樂蒂（Isabelle Bertolotti）、柏林漢堡車站當代美術館雙館長暨2025台北雙年展策展人山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）與提爾．法爾拉特（Till Fellrath）等人皆親臨現場觀展。而來自美國的《The Art Newspaper》、英國《Whitewall》、德國《Berlin Art Link》、義大利《Domus》與《Mousse》等眾多國際媒體，更將台灣館列為「不容錯過的展館」或「精選必看國家館」，並獲專業藝術媒體《Burlington Contemporary》、《Kunstforum International》、《artnet》撰文剖析展覽內容；整體涵括英文、德文、義大利文等共7種語言的報導撰述與關注，足見本屆展覽主題在當前全球情勢下極富時代意義，能夠橫越國界與文化之限制，觸發跨界面向的不同深度共鳴。

「日常戰爭」集結藝術家袁廣鳴近10年的作品，也為其創作生涯再度立下里程碑。展覽同名新作《日常戰爭》（2024）藉由從平靜至爆破間的場景張力，呈現生活中隱伏的威脅。頗受國際媒體關注的《佔領第561小時》（2014）則捕捉了「太陽花學運」撤場前的關鍵時刻，並藉由這個介面，啟動大家對於此事件的想像。策展人陳暢指出台灣館的所在地普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）於十六世紀時作為監獄，能在這個場地展出，別具意義：「它曾經是監獄的空間，現在成為自由的空間，臺灣藝術家自由表達與創作的空間，夢想的空間，訴說的空間。」

值此展覽落幕之際，館方同步正式宣告，2026年第61屆威尼斯國際美術雙年展台灣館將由李亦凡代表參展。提名委員會指出：「李亦凡多以遊戲引擎或自製的影像工具為方法，遊走在影像、鏡頭、物件、場景與裝置間，其兼具議題性且視覺風格獨特的創作，結合傳統錄像技術與數位媒體；同時，他也具備物件的造型能力，透過數位影像與實體物件的併置，可望為台灣館帶來更多層次的感素。」

李亦凡（1989－）曾榮獲2024第8屆洪建全基金會「銅鐘藝術賞」、2024第46屆「金穗大獎」、2022「台新藝術獎」視覺藝術獎項與2020高雄獎。他亦曾參與日本東京NTT InterCommunication Center（ICC）的2024一年展「非常迫近的遙遠」、美國紐約雕塑中心（SculptureCenter）「小世界影院」等國際展覽，以及2023台北雙年展「小世界」、2021 亞洲雙年展「未至之城」、2020台灣美術雙年展「禽獸不如」等重要國內展覽。

李亦凡長期關注及探索在當代科技的推進之下，數位影像創作的不同途徑與相關影像工業的技術性問題。近年來，藝術家將過去累積的動畫敘事體，轉化為具有強烈場面調度特質的劇場性影片，並佐以黑色幽默的語詞或圖像組裝，敏銳地呈現網路化社會中的訊息雜度、身體以及心理騷動。第61屆威尼斯國際美術雙年展預計於 2026年4月舉辦，隨著參展人選的出爐，李亦凡將以當代敘事語言，為資訊與影像爆炸的數位時代，提供更多深具啟發性的另類思考。
 

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第60屆「威尼斯雙年展」台灣館圓滿閉幕 北美館公布2026年參展藝術家 ｜新聞稿.pdf

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隨著臺北市立美術館（北美館）典藏新庫即將落成之際，蒐藏及受贈作品廣度持續積累，北美館自10月05日至12月15日推出「飛地：一部自傳的誕生」，由館內策展人蕭琳蓁策劃，聚焦在1950年代末開始嶄露頭角，或於70至90年代接受國際藝術思潮洗禮，以及X世代後的女性藝術家典藏作品，選件展出28位藝術家近112組／件作品及文獻，其中包含近三年40餘組／件的新進典藏品首度於北美館展出，藉此呈現藝術家豐富的生命經驗與創作脈絡，凸顯典藏新庫不僅是物理空間的擴展，更承載當代藝術多元的內在情狀與創作歷程。

本展以人文地理概念「飛地」為題，意指一個國家境內存在不受其主權管轄的土地。原文上溯自拉丁文enclave，由字首en（in，在……之內）及clave（key，鑰匙）組成，直譯可稱為「上鎖的空間」，以此比喻為創作者獨立於外部環境的意識空間，在混亂的現實中保持心靈平靜的內在狀態。展覽靈感來自英國知名女性作家維吉尼亞．吳爾芙（Virginia Woolf，1882－1941）的散文集《自己的房間》，指出在女性多重身分之中，附屬角色經常優先於自我，藉此呼籲女性應從爭取屬於自己的空間開始，獨立思考，自由創作。同時凸顯社會中相對弱勢者在文化脈絡中的處境，及其超越困境的能力。

展覽結構以女性文學「自傳體」為架構，參照吳爾芙長篇小說《燈塔行》，借用——〈窗〉、〈歲月流逝〉與〈燈塔〉三個篇章延伸成為展覽子題，分別探討日常生活的真實、時光的變遷與生命意義的追尋，並邀請觀者隨著作品的軌跡尋得藝術家多重的生命故事。本展並非框限單一性別意識，而是藉女性視角看待受社會結構宰制的群體及個體，並從其作品探討不同層面的空間：心理空間、個人空間與生存空間，展現人們以多樣形式擴展自由度及心靈向度，進而造就能夠無懼尋得自己的「飛地」，方能尊重每一個人存在的真實。

子題一「窗──日常的真實」，作品多以家、親人與故鄉為線索、日常生活中一景一物為主題，探討性別角色在這些關係中的影響，揭示個人意識與生命經驗的連結。走進此展區，映入眼簾為韓國女性主義藝術先驅的尹錫男（YUN Suknam）《粉紅色的房間 III》（1998），為第一屆台北雙年展後蒐購之作，以不穩定的粉紅色體現家庭主婦所經歷的不安。李錦繡常以描繪居家物件與日常空間為題，《容合．相待．彩虹曲》（2002）以柔和筆法呈現舒適的起居空間，同時展出新進典藏素描本；王淑鈴巨幅《吟唱的河流》（2009-2011），承載著她對家、母親、家鄉的無盡思念，展現人對自然與生命的重新審視，為北美館首次蒐購藝術家之作。謝鴻鈞則長期研究與關切女性的生命經驗，作品《游》（2002）呈現兩個平行交疊的綠色蛹狀生命體，無數的直線猶如牽引著母體與胎兒間連動的「陰性空間」。

子題二「歲月流逝──變遷中覺察」，作品著重內省與主觀經驗，專注體會自我內在情感變化與轉折，傳遞生活中所觀察的存有與消逝、傷痛與矛盾，捕捉生命中難以名狀的瞬間。往下前行，觀者的視線進入一個虛擬與現實交替的時空，王雅慧《日光下的靜物》（2005）藉著數位手法使光線與空間的邊界緩慢移動，擬造出時間流逝的靜謐空間。師從李仲生的黃潤色，早期作品使用大量碎形圖案與切面，沉穩地流露出藝術家對自我潛意識的探索，對比晚近作《作品Y》（1985）高反差的色彩與充滿生命力線條，有如細胞增生繁殖或植物演化變形，映現成長蛻變的活力。延續生命的探索，洪美玲三件新進藏品《尋道》系列（1997-2003），以層疊的幾何符號與流暢圓滑的線條象徵生命的樂章，展現其徜徉山川水澗之間的寬闊心境。

子題三「燈塔──象徵與追尋」，本區以燈塔的意象作為目標追尋及生命探索之象徵，盼呈現女性藝術家對自身環境及未來的關注，進而開啟對集體創傷、權力關係、社會荒謬的觀察與體悟。此展區以吳瑪悧影像裝置《墓誌銘》（1997）作為開場，此為紀念二二八事件50週年製作，試圖藉由事件受害者女性家屬的故事來探討女人於歷史事件的角色，相隔10多年後再次呈現。走入挑高的展廳，視線望向蕭麗虹《老梯子》（1991），為90年代｢台北現代美術雙年展｣獲選得獎並納入典藏之作，一群捏塑的泥人奮力爭先恐後地攀上長梯，但爬上頂端才驚覺空無一物。侯淑姿《青春編織曲（三）》（1997）及侯怡亭《歷史刺繡人》系列（2015）訴說女性在不同年代的身體勞動史，探尋女性身體政治與社會經濟結構間的錯綜關係。

此區新進館典藏品同時思及周遭與內在，呈現對身體、身分與文化意義的追索。如顏妤庭《無數個昨日－3》（2020）將新聞文本字句透過書寫轉化為皴法，以交纏又碎散的筆觸，呈現當今社會的緊繃、斷裂與伴隨而生的荒謬狀態；抑或蕭珮宜《人間樂園》（2022-2023），以擬人化的動物演出人類社會中的虛妄情愛與權力爭奪，反應當代社會心理的警世寓言。最後走向展區出口，再現蕾琴娜．希維拉「2006台北雙年展」委託製作的大型限地裝置《入侵系列：冒險故事》（2006／2024現地製作版），將黑色密集的腳印從展場內向外部空間蔓延，與追尋意象相互呼應，象徵著探索將不懈延續。

北美館自開館來，長期研究與關注不同世代藝術家的發展，積極豐富典藏脈絡中的深度與廣度，所藏作品迄今已近6000件，逐年透過典藏品展覽、出版及相關教育推廣活動，與時俱進地回望臺灣藝術史及回應當代藝術發展。加以近年獲得藝術家和家屬為數不少的捐贈，得以補足北美館女性典藏的研究軌跡，讓彌足珍貴的作品及文獻成為市民共有的文化資產。本展以此為開端，將女性藝術家的創作情感與觀點轉化為「飛地」，不論是探索關於家庭、母性、社會文化等主題，除深入思考自我，亦拓寬社會理解、討論和變革的空間。

臺灣戰後第一代女性藝術家鄭瓊娟，是「五月畫會」創始成員，藝術家生前於2022至2023年間將其畢生重要作品捐贈北美館，從早期畢業的寫實作品到邁向千禧年轉化發展的心象畫，創作歷程曾為了照顧家庭而中斷創作近十年，重拾畫筆後改變風格為奔放且具生命力，探討潛意識、大氣、陰陽與禪學等內在思維。同年李芳枝之子亦主動自瑞士捐贈作品與大量文獻，開啟讓世人重新深度認識的契機，藝術家擅長以寫生方式表達對眼前所見事物的愛好，從粉彩、油彩或水墨等不同媒材，釋放出情感充沛的能量，長年旅居在外的她，更有多幅作品描繪對家鄉與親人的思念。而中生代藝術家洪藝真，自90年代發展出厚重顏料堆疊的單色抽象繪畫，畫面呈現幾何形分割，北美館於去年新增典藏作品，包括最早1994年的大學實驗性作品，以及2011年生前最後完成之作。

與此同時，本展特別規劃「書房計畫」邀請藝術家郭俞平融合不同女性藝術家的成長軌跡與生命故事，撰寫自傳體小說《珍藏盒》，以三篇虛構小說〈京子〉、〈珍藏盒〉及〈河〉回應展覽，透過回溯與再詮釋，呈現時代交織的創作脈絡。展期間也延伸規劃3場教育推廣活動，11月2日舉辦策展人導覽，透過專業的視角提供深入淺出的展覽介紹；11月9日書房計畫朗讀ｘ對談，將邀請藝術家郭俞平分享書寫的思路；11月23日不同以往的展覽漫遊，則邀請末路小花劇團以說故事的形式演出。

北美館近期甫出刊《現代美術》期刊第 212期，以專題「女性當代」為出發，以李芳枝、薄茵萍、洪藝真、王雅慧，四位不同世代且各有移居、留學或駐村國外經驗的藝術家作品及其文獻為研究對象，透過專論、訪談、大事記等形式，書寫她們的創作歷程，而「飛地」也展出這四位藝術家作品；亦於11月30日（暫訂）舉辦「女性當代」座談，連結該專題與本展藝術家之對話。另一方面，北美館曾於2022年以館藏臺灣女性抽象畫家陳幸婉及薛保瑕畫作為發想，與設計品牌「+10・加拾」攜手合作推出致敬款、加拾款共四款質感襪著，皆可至北美館商店購藏。

更多北美館資訊請關注官方網頁（www.tfam.museum）或追蹤北美館臉書粉絲專頁（臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum）與Instagram官方社群平台（＠tfam_museum）。

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