[ { "DataSN": "9469401", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=49D945AD82ABDA5A", "title": "北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open│消失的反動", "內容": "數位時代曾允諾的無限存取、公平透明與去階級化等特質，如今正迅速地在我們眼前消逝。那些曾被視為無害的數位科技（包括網路、社群媒體、智慧型手機、智慧穿戴裝置與物聯網）已逐層顯現其真正的面貌——它們從未如科技解決主義者所力圖聲稱的那樣：非物質、無重量、萬無一失、精準、永續，或完美。在沈迷於收集一切互動紀錄、數據與檔案以餵養人工智慧的演算時代裡，氣候變遷危機、資源匱乏、激烈意識形態對立，以及數位過度滲透等當代危機愈趨惡化。線上展覽——《消失的反動》於是拋出提問：「我們能否在由策略性不穩定、崩解與抽離所開啟的灰色地帶中，找到與科技共處的另一種關係？」本次展覽邀請四位藝術家：費德里科・佩雷斯・維洛羅、徐容、安娜・里德勒與奧莉亞・黎亞莉娜，分別為本展創作四件網路藝術作品。這些作品各自透過「物質、記憶、幽靈、脆弱性」等四大主軸來探索展覽的核心問題意識，並藉此挑戰主流的資訊積累信條，藝術家們透過作品，共同檢視了數位世界中所固有的重量、痕跡、缺席與脆弱性。策展人/ 多琳．理奧斯（Doreen A. RÍOS）參展藝術家/ 費德里科・佩雷斯・維洛羅(Federico PÉREZ VILLORO)、徐容(Jung HSU)、安娜・里德勒(Anna RIDLER)與奧莉亞・黎亞莉娜(Olia LIALINA) ", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565544", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=E054C5A968F06D72", "title": "造公園", "內容": "當孩子踏進公園時，一段充滿好奇的探索便悄然展開。從磨石子路的蜿蜒線條、鋪石踩踏的觸感與聲音，到發現一隻蝸牛、或一片形狀奇特的葉子，這些細瑣卻鮮明的經驗，都是吸引孩子目光停留的瞬間，開啟一個問題或想像的起點。然而，遊戲正是啟動學習與創造力的重要過程：小時候，我們會在公園裡嬉戲遊玩、築夢，將溜滑梯變成山岳、盪鞦韆化作飛行的起點。隨著年齡增長，公園成為我們散步、休憩、相遇或分離的場域。這些看似日常卻深刻的經驗，不僅形塑了個人的感受力，也潛移默化地影響我們對城市與生活的理解。公園既是一個想像的容器，也是熟悉卻不斷變化的公共性舞台。本次教育計畫以一座「公園的奇想」為起點，探索形狀與想像、公共性與互動的交織。我們邀請觀者透過互動作品、裝置與感官體驗，從圓山的歷史出發，延伸至造型、自然、公共性三大面向。藉由三個子題，參與者得以在探索中學習如何觀察日常、理解歷史、連結自然，並進一步想像未來的城市景觀：去思考「什麼是公共空間」，並嘗試以「想像力解決問題」。 參展藝術家石孟鑫吳燦政李鈺淇明白實驗所倪祥陳姿尹陳萬仁楊雨樵蕭聖健 策展人王瑋婷#展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565540", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=25ED2BC890F401B8", "title": "鬱卒的平面：李亦凡／第61屆威尼斯國際美術雙年展台灣館", "內容": "在決定這場展覽的主題後，我們便針對這些文字的組合可能衍生的各種詮釋展開深入的討論。此標題最初是以葡萄牙語構思，一旦翻譯成英語（Screen Melancholy）與華語（鬱卒的平面），其中所蘊含的詩意勢必會開啟新的細節變化空間。不過，其中所指的究竟是哪些「平面」？最直接的答案顯而易見：「平面」是這片我用來書寫文字的介面，也是觀眾透過不同格式、材質與品牌可以接觸到李亦凡作品的媒介。這個如今極為普及化的黑鏡裝置承載著悠久的歷史，其淵源可從電視延伸至昏暗的電影院，從攝影回溯至繪畫，更可追溯至萊昂．巴蒂斯塔．阿爾貝蒂（Leon Battista Alberti）在1450年所提出的「繪畫是一扇窗」的這個重要比喻。「窗」一詞絕非空穴來風。微軟於四十年前推出初版的Windows系統，然後如同在行動的轎車或火車內望著窗外的流動景觀，今日我們凝視著一扇扇小巧的視窗，從中能窺見萬物的局部樣貌。在如此資訊爆炸的現象裡，充滿著永無止境的可能、想法、交會、發現與疑慮，而從中浮現出我們所提出的「鬱卒」。如拉丁諺語所說：「藝術恆久，生命倏忽」（Vita brevis, ars longa），人生苦短，而學術無窮，在這個歷史性時刻，人工智慧充斥著我們的生活，不斷提醒著我們這一點。「鬱卒的平面：李亦凡」呈現藝術家創作實踐的關鍵新階段，同時延續其十多年創作生涯中不斷探討的焦慮觸發點。展覽核心的錄像作品透過LED面板呈現，所有情境皆在威尼斯普里奇歐尼宮的模擬空間中上演，是李亦凡藝術歷程中前所未見的場域特定創作。曾是與總督宮相連的監獄，建於1614年的普里奇歐尼宮是座承載著層層記憶的建築。一座密封式橋樑連接著這兩棟建築，是過往囚犯在走向即將囚禁終生的牢房前的必經之路，從橋上能瞥見最後一眼威尼斯的風光，不勝唏噓，故名「嘆息橋」。在這座宮殿中展出，即是與其中的精神與敘事保持開放的態度。李亦凡的作品多具戲劇性，藝術家對於模型、人偶與模擬佈景構圖的興趣，在此空間裡，更是表現出全新的力度，呈現出後設劇場與敘事內鏡的瞬間。在存在主義與荒誕之間，這部敘事中的人偶角色們所吐露的言語，從微觀歷史至宏觀敘事，不斷試探著敘述者自主性的界限。影像可視為某種魔法，隨著魔術手法接連施展，觀眾的目光被吸引數十分鐘之久，從關於電腦動畫的講解，再延伸至「高雅」與「低俗」文化影像差異的討論，更認識到法線貼圖與數位表面紋理模擬的手法。 我們的雙眼與神經元之間的突觸在這座視覺與概念的遊戲機中化作小鋼珠。不知將被引至何處，我們追隨著那些言辭特殊的偶，然後發現展場內還陳列著手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等大型3D列印雕塑，與數位表演者的身體相互呼應。這些大比例的破片呈現出一種源自電腦生成影像的戲劇、奇幻解體世界。當發現可坐在這些物件時，我們本能地坐了上去。此時，人的身體坐在自身複製品之上，觀賞同樣模仿我們的形體的數位人偶的演出，「真實」與「虛擬」的界線就此消融。觀者轉為表演者，然後迎接下一批入場的群眾。在這座前身是監獄的建築裡坐著，手握著手機，或為記錄，或為短暫逃離，若從遠處拍攝，我們彷彿困在迴圈中，我們的行為反射著李亦凡的詩學，同時又被其映照。面對二十一世紀的後虛構與數位自戀，藝術家未提供解決方案或道德化的回應，而是暗示每個人都兼具囚徒、操控者與偶的三重身分。就讓我們欣然接受這種處境的鬱卒吧，準備迎接如螢幕般扁平化的存在。回頭已是無路可走。 #展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565543", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=BC8B7364AF0D92B7", "title": "超現實主義：對話中的世界", "內容": "本展由德國圖賓根文化交流協會策劃，探討超現實主義思想，以及其自發軔以來跨越百年的影響力。展覽透過對話式的呈現，將1920年代的超現實主義運動時期的作品，與其後各世代藝術家的創作並置。此種交互對照證明了，超現實主義並非一個已終結於過去的歷史現象，而是一股與時代共振的動能。它是一種態度，一種未竟且不斷演進的思維模式。縱觀數十年的發展，超現實主義前衛藝術的主題與意象，在當下語境中尤具現實意義。關於身分認同、轉變、非理性，以及對現實與感知的質疑，至今仍在深受超現實主義啟發的作品中被反覆辯證。本展分為四個子題單元，演示跨世代乃至當代的超現實主義實踐，如何成為對當前與未來進行批判性及帶反諷意味的思考方式。本次展覽匯集百餘件繪畫、裝置、物件、攝影與電影，勾勒出超現實主義藝術豐富而多樣的面貌。#展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565541", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=09C4BEE82B8F85BE", "title": "共感：存在的節奏 ", "內容": "「共感：存在的節奏」展在概念上呼應現代物理學所揭示的現象：在量子層次中，某些粒子之間存在不可分割的關聯。這樣的觀點提示我們，「存在」或許不只是由彼此分離的個體所構成，而更像是一種由萬事萬物彼此連結、互動與生成的關係性整體。地質學的臨界區（Critical Zone），是從植被的樹冠一直延伸到地下水的底部，所有生命發生在這薄而脆弱的地球表層。面對氣候變遷的問題，法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）批判人類長期以自然與社會、全球與地方對立的錯誤方式理解世界，因而採用「臨界區」的概念，強調自然、技術、行動實踐，並提出：我們真正生活的不是「地球整體」，而是這一層薄薄的生命區。他強調，自然的臨界區是一個複雜的生命網絡，包括：岩石風化、微生物活動、水循環、植物根系與大氣交換等，共同構成整個生命支持系統。在技術上，我們透過科學裝置，例如：地質觀測站、氣象站、衛星等裝置，能夠看到生命系統。在行動實踐上，人類的行動，包括： 農業、工業、城市化等已經改變生命臨界區。因此，人類不是地球的外部觀察者，而是臨界區的一部分。人類行動、科技與自然早已糾纏在一起。近年，美國物理學家凱倫．巴拉德（Karen Barad）借用量子物理中的 「量子糾纏」（entanglement）概念，當兩個粒子糾纏時，因為只會有一個共同狀態，它們不能再被視為兩個獨立物體。如同舞蹈中的雙人舞，其中的旋轉、托舉等特定動作需由兩位舞者合而為一共同完成。同樣地，人體與微生物、多物種關係、人與土地、技術感知、生物與環境等，也可能屬於同一事物、彼此連結的共生關係。展覽從當代博物學的概念出發，邀請11位當代藝術家及團隊的藝術計劃，瞭解因技術的進展，不僅交疊原本過去、現在與未來的線性時間觀，亦探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。從「人與非人共同演繹世界」（自然）、「擴增人類五感與時空觀」（技術）、與成為「互利共生的行動者」（行動實踐）三方面，讓我們感知原本無法觸及其它物種的環境界，在「選擇」與「介入」的實踐中，改變線性時間的進程，並產生生命倫理的責任。展場塑造為觀眾感知與實踐的場域，藉由共感與同理心，重新建構共享、互助與共生的倫理價值觀。策展人：余思穎參展藝術家/團隊 :山城知佳子 吳其育+陳普希朵・史戴爾 周東彥/狠劇場  桑佳．鮑梅爾 彭弘智陽春麵研究舍 瑟琳・克拉內 蔡咅璟 盧明德  NOIZ Architects  *照姓氏筆畫排列#展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565542", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=F20A68F9FAD620F5", "title": "物質世界", "內容": "物質塑造著人類的生活方式。我們每日一張開眼，從喝水的杯子、穿著的衣物、居住的空間、已不僅是通訊功能的手機，食衣住行育樂，所有的一切被物質所圍繞著。因應生活所需，物被不斷創造、發明、改良、演進，物被人所用，又因為使用而延伸出系統，系統回過頭化為生活中的直覺動作，甚至人們也因為使用被影響了原本的姿態、習慣甚至是思維模式。從70年代布希亞（Jean Baudrillard）揭示了消費社會中的符號價值，到90年代提姆．登特（Tim Dant）與斯蒂格勒（Bernard Stiegler）探討的物質實踐，物質不單單只是被消費或指涉意義，它也在日常的操作、使用與感知中，形成由物而衍伸的技術，進而影響人們的行動模式與社會的樣態。展覽試圖回望從農業社會轉變為工商社會之際至今，物質的生產與流通如何深刻改變諸多事物。小至我們的生活型態，大至推動、介入社會運作的機制，與隱沒在其後的力量。我們好奇物質是如何在社會、空間、尺度與感知中持續生成世界，而不同時期的創作者又是如何轉化時代性的感受，成為物質性的創作與實驗呈現，進一步回應我們伴隨其所改變的感知與想像。參展藝術家/ *按姓氏筆畫排序日下淳一白景瑞朱嘉樺何采柔何德來李元佳李明學李傑周育正林文熙奚淞徐揚聰翁清土張照堂梅丁衍陳典懋陳順築陸先銘湯雅雯黃文浩黃冠鈞黃榮禧黃銘昌鄭亭亭澤拓盧冠宏賴九岑顏水龍顧何忠策展人/ 馮馨#展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" }, { "DataSN": "9565539", "ArticleType": "0", "FileName": "", "Link": "", "Source": "https://tfam.gov.taipei/News_Content.aspx?n=B457F4D51F0B5BCB&s=ACFA50991E65A65D", "title": "2026 X-site 鏡・亭・山：相看兩不厭", "內容": "「X-site 計畫」（2014～）以美術館戶外廣場為基地，每年公開徵選一件實驗性的臨時裝置提案。從建築結構、當代藝術、環境研究、公眾參與等多元角度，鼓勵創新實驗的跨域創作與公共性交織的整合性計畫，激發公眾對公共空間、城市環境與人類發展等議題的探討與想像。「X-site 計畫」歷年來已支持許多新銳建築與藝術團隊實踐創作計畫，成為臺灣深具開放性、實驗性與培育中青世代的重要平台。今年由跨領域團隊「做白工作室 」《鏡‧亭‧山：相看兩不厭》獲得2026第13屆首獎。 【關於作品】《鏡‧亭‧山》回應室外廣場的環境條件，將地面輕輕掀起，創造具遮蔭且通透的空間，讓人們願意停留，「空白的、缺席的」廣場重獲公共性。為了達到「將地面輕輕掀起」的感覺，我們創造一片完全穿透、不靠柱與牆支撐的自由場域。其中抵抗風浮力的鋼纜，看起來就像樂器中被繃緊的弦，我們利用這個意象設計出參觀者可互動的聲音裝置，「弦」被觸摸會發出聲音，揭露潛藏於美術館中、不容易被意識到的聲音地景。塞尚（Paul Cézanne）生前畫了聖維克多山十多次，不只作為練習，更是一種追求真理的實踐。《鏡‧亭‧山》屋頂的蛇紋磚板片以塞尚的行動為靈感，將廣場衛星空拍圖作為像素，重組，構成蛇紋石圖案，是一個對於「真實」與「時間」的提問與反思。板片下方以鏡面組成，鏡面的漸變角度設計成可以同時反映下方活動、廣場的蛇紋石、與北美館正門，參觀者意識到，並成為環境的一部分。這個廣場曾帶給我們「美」的感受，現在我們想將這些感受分享給更多人。《鏡‧亭‧山》的目標與其說成為一件具有強烈意圖的作品，我們更希望能夠「創造環境（shape blank）」，在這個新環境中的人、事、物都是作品的一部分，願歡笑、哭泣、黑貓、窸窸窣窣、雨滴、含羞草、蜻蜓、歌聲、夢，在這裡自由而茁壯。 【觀展指南】《鏡 ‧ 亭 ‧ 山》邀請參觀者或坐或躺，以最舒服的姿態享受作品。歡迎碰觸不同的「弦」，碰觸時間或長或短，探索隨時間產生的感官變化。 1. 展區體驗時，務必注意：- 屋頂結構非供人行走，請勿攀爬。- 因作品型態關係，接近地面處高度不足，請小心撞頭。- 6歲以下孩童須由家長全程陪同，以確保安全並引導適當的觀展方式。- 嬰兒推車或其他類似者，請將車體暫放展區外。- 攜帶寵物者，請使用牽繩、箱籠等防護措施，以保障寵物與公眾安全。- 飲食請保持展區整潔。2. 如遇大雨、颱風等天候狀況，因安全考量本作品將暫時關閉，請勿進入並擇期參觀。3. 視公眾活動前置準備，作品於活動前後60分鐘暫停開放（以現場公告為準），敬請自行調整觀展行程。4. 公眾活動之舉辦、延期與取消，將因應氣候狀況彈性調整，詳情請至本館官網查詢。5. 不開放商業攝影（例：婚紗、商品型錄、攝影教學等）或其他影響參觀安全及品質之拍攝。6. 本館保有展區開放與規則修改之最終解釋權，感謝您的配合。 #展覽", "相關檔案": [], "相關連結": [], "相關圖片": [], "相關影音": [], "發布單位": "臺北市立美術館" } ]