館長序

林平 臺北市立美術館 館長

臺北市立美術館於2017年起歷經9個月的休館，進行空調系統更新、展場修繕、典藏庫房空間增能及新建庫房籌備。休館期間持續購藏作業，亦獲得相當突破性的作品捐贈。至2017年12月，本館共計典藏4,997件作品，本書收錄2017年蒐購與捐贈之新進藏品，包含攝影類39件、水墨類2件、綜合媒材類18件、油畫類7件、雕塑類7件以及素描類作品1件，合計74件作品。

本館經2017年重新梳理收藏政策，除含括以臺灣現當代藝術史為脈絡、藝術家生涯發展之時間軸為取向之重要原則外，亦強調透過館內各種專題展覽策辦，挑選具當代議題向度的蒐藏方針。

2017年度蒐購作品，一大部分是透過展覽而後入藏：如余政達〈台北雙年展之歌〉專為「朗誦／文件：台北雙年展1996-2014」所製作，以聲音與文本回應台北雙年展。葉世強〈晨禱，甘地與信徒們〉與葉偉立〈葉世強水湳洞舊居系列一〉同於「2016台北雙年展」展出，前者展現隱居藝術家清簡雋永之油畫風格，後者以攝影留下故居樣貌及生活軌跡之見證。報導攝影家王信〈自悼〉、〈逃亡者之眼〉組件及「肖像論」系列等17件佳作，則自其回顧個展「另一種目線──王信攝影展」中精選而來，使本館相關收錄更為完整。林柏樑〈等待/席德進〉、洪政任〈憂鬱場域〉、侯怡亭〈歷史刺繡人〉等均出自「微光闇影」展，分別在攝影媒材之基礎上與錄像、拼貼、刺繡等進行多媒材與跨媒體之探討。而德國藝術家涅爾茲‧維爾克的〈十二〉，則為2016年受邀於「物‧理」展出的現地製作作品，是運用臺灣藍白帆布為媒材、將氣流具象化的動力裝置。袁廣鳴錄像作品〈沉睡中的典藏風景〉為典藏實驗展「舞弄珍藏」專案製作，以本館典藏庫房為拍攝實景，透過畫面呈顯典藏空間之隱蔽幽深。而香港藝術家麥顯揚〈無題〉雕塑自開館以來即長久展示於中庭，已成為館景和觀眾記憶之一；後因藝術家辭世，直至2017年方向其遺孀聯繫購得作品，亦別具意義。

作品購藏需因於個別機緣，同時必須回應或補足本館收藏政策：例如資深「五月畫會」畫家馮鍾睿之〈2012-08〉於抽象構圖中融入漢字書寫及濃烈之情感；蘇信義〈青春三部曲〉呈現南臺灣工業史詩之外明亮多彩、青春洋溢的風格；李俊賢〈海神‧女俠〉是集結眾多台式元素之巨構等。他們的繪畫作品均個別回應臺灣區域歷史和個人風格發展之關鍵。

本年度之捐贈計畫於台北雙年展脈絡及作品規模等有多面向的突破，內容豐富可觀：第56、57屆威尼斯雙年展台灣館之參展藝術家，前有吳天章特別捐贈之擺拍攝影創作〈瞎子摸巷〉；後有謝德慶捐贈〈一年行為表演1978-1979〉等4件，為本館重要行為藝術作品典藏案例。藏家彭北辰先生捐贈曾於「2002台北雙年展」展出之李子勳〈迷宮劇場〉，為歷年少見之大型裝置作品。以上捐贈對本館「雙年展」相關之當代藝術全球推動深具劃時代意義。「東方畫會」八大響馬之一的夏陽，亦於其重要回顧展「觀‧游‧趣」之脈絡捐贈〈若禽〉等4件作品，展現與其繪畫語言有關之雕塑創作。另有由王坤南家屬陳木在先生所捐贈的〈王坤南自畫像〉等3幅不同題材的油畫小品。黃光男前館長亦透過其子捐贈高燦興之〈飛翔〉小型雕塑，造型簡潔靈動。此外，尚有蘇信義、李小鏡所捐贈之個人作品，以及劉俐女士所捐贈之朱沅芷素描作品，豐富歷史檔案。

今日美術館不論在典藏空間之重整、典藏概念之轉變上均面臨極大的挑戰。隨著計畫型藝術、行為藝術、媒體藝術等作品類型的增加，本館與時俱進，今年特針對時基藝術之典藏規範訂定標準。歷年收藏的作品是本館之珍寶，亦是美術史上之重要資產。保存維護之外，如何使典藏的意義更為擴散與深掘，亦是我們需不斷努力的課題。

目錄（依藝術家姓氏筆劃序排列）

012 - 王坤南 
016 - 王信 
034 - 朱沅芷
036 - 余政達 
038 - 吳天章 
040 - 吳政璋 
044 - 李子勳 
048 - 李小鏡 
050 - 李俊賢 
054 - 李國民 
058 - 周代焌 
060 - 林柏樑 
066 - 林銓居 
072 - 邱國峻 
074 - 侯怡亭 
078 - 洪政任 
082 - 夏陽 
086 - 涅爾茲‧維爾克 
090 - 袁廣鳴 
094 - 高燦興 
096 - 張乾琦 
100 - 許哲瑜 
104 - 麥顯揚 
106 - 馮鍾睿 
108 - 葉世強 
110 - 葉偉立 
114 - 蒲浩明
116 - 謝德慶 
122 - 蘇信義 
126 - 蘇匯宇 
130 - 黨若洪 

序

布希歐（Nicolas Bourriaud）在《關係美學》裡評點九○年代展覽，如此說：「我們應該了解當今社會場域正在發生的變化，並掌握已發生的變化和仍在發生的變化。如果我們不是與藝術家處在相同的境遇之下，如何能理解1990 年代展覽中所表現的藝術行為的類型及其背後的思路？」在這層脈絡底下，藝術家試圖把展覽場所視為一個微型的社會場域，他們關注現代文明社會中人類處境及環境，或是去反思生活中的現實狀態，或是對社會議題或公共議題表現出高度興趣。布希歐更指出藝術產生一個特定的社會場所，或者說是創造一個社會境遇，最終這種樣態的藝術是如何能夠推動解放自由的現代性方案？

這正是臺北市立美術館從2015 年在我上任之初，便開始有計畫地推展「活展覽」的初衷：當代藝術旨在藝術脈絡下建立一種新秩序，同時它也不斷地致力於打破秩序以及不斷地重組藝術可能性。活展覽就是建立在這個核心中以臨場性作品為基礎，除了它們打破靜態作品展示的線性時間結構，這類作品更打開了一個人與人彼此之間臨近的關係，就是布希歐所說的「藝術產生一個特定的社會場所」。在這裡，創造出一個開闊而有彈性的場所；同時，人們可以即時討論他們眼前所看到的，或者說那樣的自由就是整個意義所在。

從《愛麗絲的兔子洞》(2015)、《社交場》(2017) 到《藍天之下：我們時代的精神狀況》(2020)，這一系列展覽，在在指涉藝術作品沒有特定不可的樣子，就是當代藝術朝著自由的實現的發展。並思考著藉由多元的藝術世界才是藝術的真實實踐，才能為未來的新文化、新政治帶來持續的發展。本次適逢全球籠罩在新冠病毒的陰影下，藉此為主題的藝術，我們能夠看到通過活展覽的形式，藝術如何能夠與這個世界彼此對話呢？

臺北市立美術館館長 林平

目次

館長序

└ 關於這個展覽／館長 林平

專文

└ 藍天之下：我們時代的精神狀況／策展人 蕭淑文

└ 如何在藍天之下打出一個洞／策展人 耿一偉

藝術家 & 作品

└ FAMEME

└ 阮慶岳

└ 許悔之

└ 張嘉穎

└ 陳亮璇+致穎

└ 李貞葳

└ 李明學

└ Baboo

└ 發條鼻子

└ 滯留島舞蹈劇場

└ 張致中

└ 太研設計 吳書原+耿寧

北美館「典藏實驗展」是黃海鳴前館長建構的政策，本人認同並企圖以多樣方法卯釘或穿越美術館典藏系統；不論是以創造性的方式去擾動，或是以後設角度加以拆解與重新建構、撩起或衝擊觀眾的既有記憶和概念——不只是探究藝術價值，更積極地重理社會價值。此次典藏實驗展「秘密南方：典藏作品中的冷戰視角及全球南方」的策劃方向、議題和選件，巧妙地回應這個政策推動脈絡，透過跨機構、跨領域、甚至跨區域的物件、文獻的重組與併置，亦嘗試置入人類學博物館中的物質文明及文化物件，其敘事鋪陳並非以反威權的姿態進行，而是從更廣泛的角度重新梳理、創造觀看，穿透或越過某些巨大或微小的歷史事件，與機構收藏的歷史交相詰問，讓這些作品一方面如實地擔任美學的證詞，另一方面亦成就為扛起傳遞時代訊息的感性媒介。在這個任務中，作為藏品背景的展示設計扮演關鍵的角色：由策展人高森信男、林志峰設計師與本人共同設定展示語境，鬆動了「白」底美學，以此來重建歷史的經驗與觀看脈絡。展覽專輯的呈現原則亦導入了同樣的對話機制，與林冠名設計師共議定案；最終，希望以一種想像的方式，去聽一種我們以為聽到、卻或從未聽到的聲音。

節自《典藏寶庫中的「南方」想像，兼談北美館的南方計畫》／林平 (館長暨總策展人)

目次

典藏寶庫中的「南方」想像，兼談北美館的南方計畫／林平

來自秘密南方的秘密典藏／高森信男

01. 重返南方：臺灣的十字路口與東南亞冷戰，1940 至1960 年代

02. 越過海峽：臺菲藝術交流及柬埔寨，1960 至1980 年代

└ 文獻A、臺菲、臺泰美術交流文獻1959—1994

03. 秘密異域：冷戰與孤軍，1960至1980年代

└ 文獻B、臺灣與全球南方藝術交流紀年

04. 來自赤道之島的朋友：臺星藝術交流，1980至1990年代

└ 文獻C、「新加坡藝術文獻庫計畫」戰後臺星美術交流文獻

05. 新大陸：臺北市立美術館內的臺灣—拉美藝術交流，1980至2000年代

└ 文獻D、臺北市立美術館拉美當代藝術展覽文獻1985—2008

計畫A、哀敦砥悌

計畫B、中國寶塔（金夏沙恩色拉總統農工業園區）

計畫C、克里斯計畫番外篇：北辰南星黑蝙蝠

06. 在地南方：當代藝術中的在地想像，1990年代至今

└ 文獻E、致親愛的鄰人：2010 年後臺灣—全球南方當代藝術交流足跡
└ 文獻F、群島資料庫

附錄：展出文獻列表

序

缺乏原件的博物館展示始終帶來歷史研究的挑戰。但這個觀點有其弔詭性格，原件展示與檔案紀錄再現的方法，才是歷史建構敘事之所在。物質上為「真」的存在，並不能保證其「真實性」，而詮釋觀點揭露的復刻文物，或許更能創造與我們關聯的「真實」價值與文化意義。「未完成，黃華成」是一項只有三件原件存世的已逝藝術家回顧研究，臺北市立美術館嘗試從黃華成同儕張照堂的時代視角和當代影像研究者張世倫的拼織鋪陳，透過田野訪查、影音圖像文獻的搜羅徵集，作品與文物的摹製復刻，得以重現為人傳頌不已，充滿傳奇性的黃華成之創作生涯。

成就於冷戰時期，美國文化強勢影響的黃華成，在臺灣藝術史上居於一個很特殊的位置。他不只是位跨領域先驅者，根本地說，他的創作不受既有類型的限制，而從概念操作與符號顛覆出發。他並非任何畫會的成員，在1966年創立了僅有一人的「大台北畫派」，其所展現的藝術概念進一步成為臺灣前衛藝術運動的先鋒。雖然我心中殷切期盼著如何在美術館展示的脈絡下再現黃華成，史料缺少與檔案在野，始終讓它成為不可能的任務。有幸於去年我們得到了張照堂的信託，提供許多當年的史料，以及願意現身說法還原過去的時空背景，讓這項展覽前置研究的史料逐步到位。同時張世倫長年研究黃華成的設計、劇場與觀念藝術創作，並蒐羅逾百本黃華成設計的書封，企圖掌握線索，串起黃華成藝術、文學、美術設計、編劇、戲劇演出等多元的獨特系譜。在這樣的基礎下，本館特邀張世倫擔任客座策展，藉助史料出土與複製，論述敘事與整編，使黃華成的創作得以再度現身。無獨有偶，在挖掘史料過程中，三件黃華成於大學時期捐贈給母校，目前僅存的作品，成為展覽的開端，啟動一連串回溯黃華成生涯的旅程。

此等成展機緣，特別要向策展顧問張照堂、客座策展人張世倫致上最誠摯的謝意，沒有他們的研究貢獻，「未完成，黃華成」無法在世人面前完成。另外，我們必須向幾個國內非常重要的機構致意，沒有國立臺灣文學館、國立政治大學、慈林教育基金會、吳三連史料基金會和台灣國際紀錄片影展等單位的信任與史料慨然借展，也無法補綴歷史的關鍵缺角。最終，由於國立臺灣師範大學願意優先修整黃華成存世原作，為其身後的首度現身，也協助玉成了黃華成傳奇，承本館無上感謝。

臺北市立美術館館長 林平

目次

論述

└ 館長序／林平

└ 編者序／張世倫

└ 大台北畫派宣言／黃華成

└ 等待完成／張照堂

└ 藝術是會腐朽的，而且立即腐朽。新的總比舊的好：試論黃華成的「現代」方案，及其未完成性／張世倫

└ 迷失而腐朽，或者不朽：黃華成筆下的文青之死／陳佳琦

└ 黃華成年表

└ 大台北畫派1966秋展／郭松棻

└ 《劇場》那兩年／劉大任

└ 大句點：笑悼黃華成／商禽

└ 黃華成輓歌／邱剛健

文稿

└ 編者說明／張世倫

└ 欲怎樣／黃華成

└ 青石[小說]／皇城(黃華成)

└ 孝子[小說]／皇城(黃華成)

└ 先知[戲劇]／皇城(黃華成)

└ 我反對「先知」[戲劇]／黃華成

└ 一些老掉了牙的髒話[電影]／皇城(黃華成)

└ 金牙[小說]／伊儂奴君(黃華成)

└ 佈景[戲劇]／伊儂奴君(黃華成)、皇城(黃華成)

└ 寫在黑白美術設計展前：兩個自圓其說[評論]／黃成(黃華成)

└ 寫作計畫表／黃華成

└ 陳映真研究／黃華成

└ 圖解詩[評論]／黃華成

└ 關於原[電影]／黃華成

└ の現代の知性の人气の花嫁の撮影[電影]／黃華成

└ 淨身[電影]／伊儂奴君(黃華成)

└ 無題(大台北畫派秋展現場對話)[評論]／黃華成

└ 死者の死[小說]／黃華成

└ 小説[小說]／黃華成

└ 善男子[小說]／黃華成

└ 評介中國的「實驗電影」[評論]／黃華成

└ 費小弟[評論]／黃華成

└ 公雞的幸福[評論]／黃華成

└ 小時：一、家[小說]／黃華成

└ 無聊的張照堂[評論]／華成(黃華成)

└ 原本男娼女盜[評論]／皇城(黃華成)

└ 盜賊物語[評論]／皇城(黃華成)

└ 女人‧玩具‧老虎[電影]／二川(黃華成)

└ 肉體喧嘩[電影]／黃華成

└ 前戲‧後戲[小說]／高達(黃華成)

└ 一成文人便無足觀[評論]／黃華成

└ 電影風：十點聲明[評論]／黃華成

└ 摩爾伯伯斷不斷奶？[評論]／黃去(黃華成)

└ 新聞越多=自由越少[評論]／黃裕盛(黃華成)

└ 淺談「女工」夢露[評論]／黃華成

└ 無題(論設計與攝影)[評論]／黃華成

└ 臺灣史寫作計畫／黃華成

└ 這就是原創[電影]／黃華成:受訪；李道明、許碩舜:訪問

└ 柏格曼電影的性語言[評論]／金斗進(黃華成)

圖像

└ 三張畫／黃華成

└ 黑白展／黃華成

└ 文藝沙龍／黃華成

└ 劇場／黃華成

└ 現代戲劇的嘗試／黃華成

└ 現代詩展／黃華成

└ 大台北畫派一九六六秋展／黃華成

└ 電影實驗的未竟想像／黃華成

└ 黃郭蘇展／黃華成

└ 香港時期／黃華成

└ 書封設計的一代名家／黃華成

└ 一個人的文化干擾／黃華成

└ 大句點／黃華成

└ 附錄：黃華成封面設計一覽表

└ 圖片索引

└ 感謝名單

序

美術館的個展規劃，透過作品與現場，讓觀眾不僅能實際認識藝術家的創作觀，也能探究藝術家的生命政治跟文化脈絡。「內在移民：安身的視野」為捷克知名當代藝術家弗拉基米爾．可可利亞（Vladimír Kokolia）在台的首次個展，也是本館與捷克當代藝術的首次交流。複合式的生命關注使他不限於視覺藝術的創作，曾代表捷克參展第九屆德國卡塞爾文獻展。他曾擔任傳奇地下搖滾樂團「E」的主唱，長年習打陳氏太極拳，也是捷克國內堆肥大賽的冠軍。可可利亞於布拉格藝術學院（Academy of Fine Arts in Prague）任教近三十年，期間提攜許多傑出新世代藝術家。發展面向多元的他，經由不同的實踐領域，交相展開對創作核心關懷的深沉探索，自身成為一個生活與藝術創作合而為一的「聯覺」個體。

「內在移民」（Inner Emigration）此詞彙源自於德國納粹時期，由俄裔德籍作家弗蘭克．蒂斯（Frank Thiess）提出。策展人安博洛茲（Miroslav Ambroz）對此說明：「它指涉個體雖不認同其國家統治、卻又無法逃離壓迫政權時，所採取的處世之道：像結繭似的包覆藏匿自身的思想與真實感受，限縮生活、只親近家人與信任的朋友，甚至將自己孤立起來。」前半生歲月在捷克斯洛伐克共產統治下度過的可可利亞，認為創作其實就是人們追求自由的一種生命技術，深刻體會過「內在移民」的生命狀態，藝術家以此作為展覽主題，試圖從更廣泛的角度來檢視這個詞彙，並將此視為一種策略：在感到內在生命被外在世界所消耗之時，由外而內轉向尋求安身之所，從中獲得平靜與力量。

這種內在移民體現在本次展覽的焦點之一：精選的116 件紙上素描，是可可利亞創作於1980 年代，塵封30 多年未曾展出的創作；這個名為《大循環》（Big Cycle）在的系列作品總計約有600 多件，他以出色的線條描繪個體或集體種種對抗命運、為生存而奮鬥的荒誕情節，身陷在不合常理、無法逃離的怪異處境，畫面中角色為了擺脫糾纏所付出的艱辛努力，顯得滑稽且徒勞無功。

可可利亞在創作中最在意的不是事物的外在形象，他更在意的其實是事物的本源，他說：「假如你不去看，不會有繪畫作品，也不會有藝術這件事。」人們會強調看見的結果，但通常不太在意看見的過程以及如何地看見，進而忽略觀看者（viewer）與觀看機制。藝術家用長期的油畫創作挑弄觀者創造的獨特觀看機制，圖像其實只不過是時間過程中的一個中介。因此，整個展覽成為藝術家精心規劃關於「光」的空間裝置，暗展場企圖降低觀眾參觀的速度、以及培養與作品之間的關係，讓沉浸式的觀看經驗得以形成。

本次展覽經過長期的籌劃，而今年爆發的新型冠狀肺炎全球流行，不僅影響了國際的往來交流，亦增加期間溝通與執行過程的複雜與變數。感謝過程中相關人員的協助，特別是無法親自來到台灣的策展人米羅斯拉夫．安博洛茲。捷克經濟文化台北辦事處及前中華民國駐捷克代表處代表夫人黃鴻端女士等單位及個人的諸多付出，也使這個展現藝術家生命哲學的展覽，同時肩負文化交流的時代任務。

臺北市立美術館館長 林平

目次

序／臺北市立美術館館長

可可利亞的「內在移民」／米羅斯拉夫．安博洛茲

→ Chapter. 1 假如人生最後的一瞥是那樹梢

→ Chapter. 2 行走的人

→ Chapter. 3 樹梢

→ Chapter. 4 安身的視野

→ Chapter. 5 櫃子裡的圖像

→ Chapter. 6 逆光

→ Chapter. 7 由外而內

→ Chapter. 8 大循環素描

我討厭藝術/ 遊戲/ 神之見/ 絮語

　－弗拉基米爾．可可利亞

序

「藝想迴廊」位於本館大廳挑高三層樓所圍塑的開放區域。有別於館內典型的白盒子展覽場，這裡是高而潘建築師很特殊而具個性的空間規劃。觀眾在此可以往下俯瞰大廳，其開放流動的場域特性，形成獨特的建築語彙。本館於2018年重新定位這個迴廊，陸續邀請當代藝術家聚焦於此環境特性進行限地製作；期待透過建築、空間與人之間不同語言巧妙的相聚，提供觀眾沉澱、互動與交流的場所。

全新年度計畫「接近」由賴志盛製作，以「接近光與風一些」的概念介入空間。他將一樓大廳視為一潭池子，女兒牆是它的池岸，池子的周圍便是三樓迴廊。他在迴廊裡製作了高低不一的平台，持續延伸繞過女兒牆，最終抵達位於挑空處的懸台，探進北美館大廳的「池子」—一個原只能觀看、無法前往的地方。他的靈感來自於鳥類在高處築巢，建造一個生存的空間；以及人們在教堂樑柱上或高牆之間建造通道，走向高空中的懸台，在那裡祈福，以得到精神慰藉。

在這裡，賴志盛並未創造所謂的作品；取而代之的，是建造一條跨越的路徑，邀請觀眾或踮腳或跨越至欄杆之外觀看，在不同的位置與視角去經歷這一方美術館風景；進而對於習以為常的廊道，產生嶄新的感受。觀眾站在突出懸台上，在觀看時同時也被觀看；或碰觸到實體的天花板及女兒牆，或探進「池」內的虛空間，和從一樓直通三樓散射的光與流動的空氣對話，共同形成了作品。

賴志盛在「接近」中以擅長的細膩手法進行干預性的實踐，牽引著觀眾的視線及身體越過界線、鬆動與「藝想迴廊」的既有關係，重新喚醒人們探索周遭環境的感知能力及身體意識，在參觀過程中得以與藝術相遇，也與自身相遇。

臺北市立美術館館長 林平

目次
└ 序
└ 作品
└ 接近運氣
└ 簡歷
└ 過程

館長序

本次促成歐文．沃姆（Erwin Wurm）個展的關鍵人物是2000年台北雙年展「無法無天」策展人之一傑宏．尚斯（Jérôme Sans）。當時他邀請沃姆來臺參與展出，拍攝台北街頭雕塑系列；20年後以「一分鐘台北」攜手重返臺北市立美術館。展覽以《室外雕塑（台北）》揭開序幕，延伸至沃姆所居住的城市維也納，在那裡拍攝了《室內雕塑（維也納）》。兩組相距20年的新舊作品在展場並置呈現、相互參照，形成一組攝影雕塑，也揭開了地域文化交融共築而成的展覽。

展覽另由《一分鐘雕塑》、《文字雕塑》、《表演雕塑》及《攀登101》構成。沃姆的代表作《一分鐘雕塑》，透過公眾的參與及表演性，讓參與者短暫化身為展品，挑戰雕塑的古典性及神聖化概念。《文字雕塑》則透過參與者在朗讀出聲的瞬間，將文字幻化成形現於空間中的流動雕塑。《表演雕塑》台北版，由表演者朗讀奧地利哲學家維根斯坦的文本，並依照指示操演動作、施加於臺灣著名地標建築的泥塑模型上，使其產生形變。《攀登101》則是將僅能遠望的地標建築近距離再現，讓觀者在觸碰、攀爬之際感受建築體尺度與自身的相互關係。

「一分鐘台北」標榜高度的公眾性，觀眾的參與是展覽的精髓。在新冠肺炎疫情蔓延時籌辦這個展覽，不免有許多不得已的折衷。能夠如期開展，更可以用奇蹟形容。首先感謝VOGUE 雜誌的跨域合作，與本館展覽團隊赴維也納進行前置製作，協助藝術家創意實踐並開拓其創作的公共領域。尤其感謝藝術家及策展人遠端的線上指導，並以視訊連線的方式，跨海開幕。他們因應疫情機動調整開展之後的展覽運作模式、觀眾與物件互動的肢體動作，與策劃相關的配套活動，可以感受到非常人性的創意考量。謝謝大同大學師生在展覽現場的全力支援，在無法開放觀眾參與《一分鐘雕塑》系列的措施下，站上第一線的舞台，代替觀眾與物件互動演繹，成為被觀看的主角。本人表達誠摯謝意予所有參與籌備過程的工作伙伴與表演者，因為你們的支持，這個展覽才得以順利推出。防疫模式下的「一分鐘台北」，不免有著難以言欲的壓抑感，觀眾安靜專注觀賞工作人員的示範，取代了自身參與的經驗。期待疫情早日紓緩，展覽得以逐步開放，恢復作品的原有樣貌與精神之外，我們得以共同省思人與物之間關係的再次探問。

臺北市立美術館 館長 / 林平

目次

林平
└ 館長序

傑宏．尚斯
└ 一分鐘實現永恆……

歐文．沃姆與傑宏．尚斯訪談錄
└ 矛盾且荒謬的美學

一分鐘雕塑

文字雕塑

攀登101

表演雕塑

室外雕塑（台北）

室內雕塑（維也納）

感謝誌

序文

藝術家江賢二持續創作55 年，無時不希冀超越過去的自己。豐富的生命旅程及音樂元素是他創作的重要養分，在其畫筆下，浩瀚無垠的大海及宇宙星空，有著一份思緒沉澱後的靜謐感；觸及宗教與性靈追求的主題，細膩的情感見於層層顏料肌理之中。90 年代末期的《百年廟》系列，尤其讓我閱讀到江賢二兩個重要的創作向度：他對於物質媒介玩味的掌握力，以非具象的表達和材料的積累讓觀者感受到寺廟香火所刻劃出時間的痕跡；同時他對意象的精湛表達，將心靈處境幻化為不同的符號，如暗室的微光或宇宙的極光。使用媒材的創造性和自我挑戰，以及不論是早期的性靈之光或是現階段繪畫爐火純青的色光，這兩者的探索與交織，讓我們看到了江賢二創作風格的不斷創新，也感受到他繪畫中由內在轉向外在，卻與宙間山川同在的場域能量。他始終堅信藝術對人心的淨化力，在展覽中觸動人心，表露無遺。

2020 年春天開幕的「江賢二：回顧展」是藝術家在本館首度受邀的個展，展出作品從近期回溯至1960 年代。鑒於其創作的特殊性，本館特別安排結合一、二樓空間尺幅具差異性的展間組合，讓作品性格得以發揮。藝術家依據館體挑高空間發展了新作，讓展覽具有表現的節奏與張力，不但凸顯其創作的場域精神，也讓觀眾如同經歷一場視覺饗宴。本展很榮幸邀請到對其藝術研究多年的藝評王嘉驥擔綱策展人，巧妙的策劃方式，使江賢二的創作脈絡清晰地錯落於白盒子結構中，展覽的起承轉合顯見策展人擘劃的巧思及精準掌握作品對應空間的關係。策展人透過倒敘的概念為此展定調，梳理幾近230 件作品。展示規劃除了保有傳統回顧展呈現的編年架構，更以系列創作舖陳展覽脈絡；系列主題引領觀者遊歷其長年關注的生活情境與思緒發展，亦啟動觀者的視覺經驗，對藝術家的創作形式、風格留下深刻的印象。

江賢二曾言：「對一個藝術家來說，敏感度是最重要的，不能在同一個環境裡面持續重複自己，所以我常常六至七年期間就會開啟新的作品系列。」藝術家針對策展的敘事軸線及美術館的空間尺度，在展覽開端即展開全新的《金樽》系列。四季的主題，印證了江賢二長年居住於臺東的情懷，大自然對他來說不只是擬模對象，而是生活的一部分。藝術家創作的力度及意志力貫穿全展，讓每個展間都令人有意想不到的驚嘆，直至展覽尾端的機械裝置《金樽/ 淨化之夜》，銜接其早年創作，形成一個完整的生命迴圈，以馬勒的第五交響曲第四樂章為其生涯作了詩意的註解。

「 江賢二：回顧展」得以圓滿展開、廣受各界好評，客座策展人王嘉驥擔綱關鍵的詮釋角色，謝謝他針對展覽各個層面的思酌與規劃，編撰此專書為展覽留下完整且深入的文獻；也謝謝許瀞月女士及吳錦勳先生的精闢撰文，為此書涵蓋多面向且精彩的觀點。同時，感謝嚴長壽先生及公益平台基金會的夥伴們，給予銘心的支持，特別是在展覽宣傳方面不遺餘力。最後，僅代表本館對有借展的藏家及機構致上最誠摯的謝意，因為有您們的熱忱傾注，美術館的展覽籌辦方得以順利展開。

臺北市立美術館館長 林平

目錄

序文／臺北市立美術館館長

專文

└ 淨化之美：江賢二的藝術／王嘉驥

└ 江賢二藝術的精神蛻變／許瀞月

└ 極境之淨：江賢二回顧展／吳錦勳

作品

歷年小作

年表

序

「臺北美術獎」作為臺灣當代美術的指標獎項，藉由不斷的蛻變與改制擴大藝術生態人才培育與藝術生涯支持的可能性。自2011年起獎項提供得獎者美術館級的個展機會，臺北獎也從單組件的創作競賽成為一個新的個展系列平台，考驗創作者如何自一組作品發展成一個展覽，是能力也是經驗的挑戰。「臺北美術獎」因此不只是一個獎項，也同時是一個平台、一個品牌，以及一條陪伴創作者鍛鍊的路程。這路程對每一位創作者都是獨特的，作為他們藝術生涯裡的一個重要錨點，化為創作裡的轉向與突破。

2015 年的得主王湘靈。選擇在五年之後回到美術館舉辦個展，經歷了一段沉潛與蛻變的路程。以攝影作為創作語彙、多元的學習背景乃至其新生代的創作歷程，使得她在臺北獎得主裡更顯特殊。一如當年在作品裡呈現的「靈光」，王湘靈這次依然向內刨挖幼年時期的經歷，用直觀的凝視取代語言，傳達屬於個體經驗的體悟。此次展覽除了影像的呈現，更融合音樂的專長背景，利用聲音和空間，三者之間的關係講述創作者眼中的記憶與現實的模糊界線，以及兩者其實互為表裡的可能性。以非洲鼓解構聲響的最小單位，再亂數堆疊，砌出一個無形存在的空間；而影像在展場巨大的紗幕與牆面穿透而過，光影的堆疊成像，象徵著空間的轉換，也是時間的移動。對王湘靈來說，「飛行」是出神、是夢，而「降落」是現實的時間。然而對她來說最為真實的，是那在「飛行」與「降落」之間的曖昧不明，那些「快要降落的時候」。

如果2015 得獎作品《質變》裡的靜謐幽微體現了心理的某個狀態，這次的展出則是王湘靈進一步將自己丟到所謂的紅塵俗世裡，去處理那個她自身經驗反饋到現代生活的詰問。獲獎的殊榮以及個展的機會，無疑提供了一個契機，一個創作方向的定錨點。而對美術館來說，也見證了一位年輕藝術家自得獎到個展，如何利用自身的創作工具，處理空間與作品的關係，呼應了「臺北美術獎」改制的初衷：見證藝術家創作階段性成長，也帶給台灣當代藝術創作者更多的激勵與相伴。

臺北市立美術館 館長 林平

目次

└ 館長序

└ 快要降落的時候／回應

└ 藝術家作品

└ 王湘靈簡介

序

當代藝術與經濟政治互動，受社會多元領域滋養甚深，泰國知名導演阿比查邦．韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）正是跨足電影與藝術領域，並以作品回應社會的翹楚。臺北市立美術館與阿比查邦的淵源自「2004 台北雙年展」即曾展出他的作品，「2010 台北雙年展」與「伏流・書寫」（2017）展覽也曾再度曝光其作。而今（2019）年本館榮幸與國際獨立策展人聯盟（ICI, Independent Curators International）合作，首次於台灣推出阿比查邦．韋拉斯塔古的大型個展「狂中之靜」。

「狂中之靜」由泰國重要策展人格拉西亞．卡威望（Gridthiya Gaweewong）策畫，阿比查邦與格拉西亞自1999 至2008 年間共同籌畫曼谷實驗電影節，有多年工作默契與情誼。在此次個展中，策展人並未援引艱澀的藝術詞彙，觀眾大抵能依直覺觀賞。透過整個樓層近三十件、橫跨二十餘年的攝影、錄像與裝置的選粹展出，有別於在電影院觀看長片的經驗，本展基於多元形式的靜態或動態影像，精彩呈現阿比查邦對實體空間與視覺介面的調度與安排。

透過阿比查邦作品和個人文獻素材展出，形塑出對泰國社會政治大環境與自身情感均真切敏銳的藝術家形象，例如：探討光影與電影迷人的本質、潛意識與記憶、關照社會現實，以及他的鏡頭下自然流動的生活底蘊。具有建築背景的阿比查邦，不僅於錄像中光影與場景處理游刃有餘，面對本館對稱性的展場時，亦可見他以作品配置反映空間素質。若與本展開幕特別放映藝術家25 部短片選集互為參照，更能梳理出阿比查邦斐然可觀的創作脈絡，也帶給台灣影迷∕觀眾多線的啟發。

伴隨此次展覽與活動，本館也特別推出專書《阿比查邦．韋拉斯塔古私選集：狂中之靜》中英雙語版，本書原由ICI 於2016 年出版，是阿比查邦親自編選的素材集合，以「書上的工作室之旅」為初衷，邀請讀者一同參與。阿比查邦不吝分享他生活中的吉光片羽：與策展人對談、散記、私人書信、科學研究、史料、詩文等，及一幀幀詩意的圖像穿插其中。值此巡迴展到達台北最終站，本館並加入展覽現場紀錄，以及策展人和藝術家來台演講所分享的精采內容增編至私選集中。閱讀此書，任憑意識流淌，為十分有趣的閱讀經驗，也更能理解培育這位優秀電影人∕藝術家的沃土，阿比查邦對自然科學有原始的興趣、對人間世事有熱切的關懷，在在顯示創作者對各種生命經驗抱有的熱情，是他能進一步創造作品經驗的驅力；而阿比查邦在作品中以哲學觀點建構的獨特影像空間——本於現實的超現實處境，亦容許我們進入所謂瘋狂中的寧靜。

本館有幸能與優秀藝術家、策展人與國際單位合作，「狂中之靜」的呈現與私選集的出版互為表裡，引領觀眾以不同的途徑深入其藝術與電影的旅程。在此衷心感謝阿比查邦．韋拉斯塔古豐沛的創作能量，亦感謝他在哥倫比亞忙於拍片期間仍對本館的展出投入許多心神；國際獨立策展人聯盟與策展人格拉西亞．卡威望的籌畫、協調和信任，也是這個展覽最終能在台灣與大眾分享的原因。感謝這場美好的國際合作。

臺北市立美術館 館長／林平

目次

序／林平

前言與致謝／亞倫娜．克萊兒與凱特．法爾

藝術家生平

電影及錄像作品年表

湄公河／阿比查邦．韋拉斯塔古

無題／阿比查邦．韋拉斯塔古

親愛的老師／阿比查邦．韋拉斯塔古

「虎鯨的耳朵」啟發研究人員開發 超敏銳的海底麥克風／阿瑪拉．D．安傑利卡

與格拉西亞．卡威望的對談／阿比查邦．韋拉斯塔古與格拉西亞．卡威望

與安德烈．里梭尼的對談／阿比查邦．韋拉斯塔古與安德烈．里梭尼

麻省理工研究：光可啟動特定記憶／伊莉莎白．阿姆斯壯．摩爾

東部海灘

無題／阿比查邦．韋拉斯塔古

神秘隧道／R. J. 德斯塔特與吉妮‧ 希夫提供

無題／阿比查邦．韋拉斯塔古

珍吉拉的日記／珍吉拉．龐帕斯．維納

靠天吃飯：駭客入侵，人類行光合作用成真？／麥蒂．史東

無題／阿比查邦．韋拉斯塔古

與烏提特．昌達旺的對談／阿比查邦．韋拉斯塔古與烏提特．昌達旺

頭部穿孔的圖解歷史／莫．柯斯塔蒂

無題／阿比查邦．韋拉斯塔古

親愛的老師／阿比查邦．韋拉斯塔古

「狂中之靜」於臺北市立美術館

煙火：幻影、記憶、時間

└ 阿比查邦．韋拉斯塔古

└ 格拉西亞．卡威望

陰暗死亡的抒情詩／費德里科．賈西亞．羅卡，謝樹寬中譯

圖片及授權

ICI 信託委員會

館長序

「臺北美術獎」自1983年開館以來至今從未間斷，是臺北市立美術館鏈結臺灣藝術生態圈的重要管道，不僅對藝術家進行扶植、肯定，更鼓勵具有獨特性並富有時代精神之當代藝術創作，見證了臺灣當代藝術的活躍發展。

臺灣有許多地方性美展，「臺北美術獎」始終居領先及國際接軌的地位，除了位於人文薈萃的首都外，更有數個藝術大學及系所培養專業人才，北美館責成自我除了創造國際介面外，我們更期待藝術家們在專業智識上、創作語彙上都能與國際網絡交織。本屆突破性作法是邀請兩位國際觀察員加入決審討論，這兩位來自東南亞的觀察員均在美術機構擔任要職，也是策展領域的專家。國際觀察員在決審階段並無投票權，但全程參與決審的過程，為本屆「臺北美術獎」帶進國際觀點，不僅在議題及國際趨勢上與評審團進行交流與深度的討論，更點出臺灣藝術圈之獨特性，也讓我們跨出臺灣藝術圈的同溫層，這兩位觀察員更驚喜於臺北美術獎悠遠的歷史背景及臺灣藝術圈的多樣性與豐富創造力。

本屆「臺北美術獎」的創作議題含括：身分文化、國族認同、政治監控、體制批判、消費與文化模式、社群文化交流等多面向的提問與看法，進而提出何謂雕塑？何謂美學？何謂繪畫？可看出藝術家們對於生命政治與世代的關係、身體與記憶的知覺、數位介面與主體建構間的關係、人類與非人類的生命探問等議題的剖析。臺北美術獎提供一個競賽舞台，給予藝術家盡情揮灑的機會，我們看見藝術家吸取臺灣特有的養份，傳承土地獨特的文化、歷史與地理背景，交融專業學識，找到自身關切的議題，進而深耕、挖掘，再次反芻為可以代表自我價值的藝術展現，非常感謝藝術家為我們帶來內容豐富的議題與充滿能量的創作，本館備感榮幸與驕傲。

臺北市立美術館 館長  林平

目次

01 序
└ 蔡宗雄 臺北市文化局 局長
└ 林平 臺北市立美術館 館長
02 評審專文
└ 當代臺灣藝術新潮的十二種形態：記「2019 臺北美術獎」／孫松榮
└ 朗讀。一封碎破的家書─2019 臺北美術獎作品觀察／陳松志
03 首獎
└ 楊登棋（登曼波）
　父親的錄影帶
04 優選
└ 蔡宗勳
　第二個地方
└ 龔寶稜
　我們的容器：提起，
　攤開，於是成篇 .zip
└ 森人─太魯閣藝駐計劃
　森人─太魯閣藝駐計劃
└ 徐瑞謙
　浴室
└ 王耀億
　兩隻老虎
05 入選
└ 蕭其珩
　《五指山降臨》系列
└ 施昀佑
　築牆練習
└ 陳米靖
　神秘河流：碎片與詩
└ 王怡婷
　不存在的姿態
└ 陳郁文
　洞穴凝視
└ 倪瑞宏
　我以為我很特別

序

本展之緣起來自於西澳伯斯與臺北雙城間，締結友誼城市長達二十週年之歷史脈絡。2019年10月，我曾代表臺北來到伯斯市進行為期近一週的旅程，這段旅行在伯斯市政府、伯斯當代藝術中心(PICA)、當地臺灣商會與聯誼會，以及許多好友的熱情接待下，讓我得以重新去認識這塊島嶼上新的朋友與藝術家們，也藉此感受到跨越大洋兩個城市間特別的聯繫及緣份，這份牽繫讓我們得以遇見彼此，並通過分別呈現於伯斯及臺北雙城之兩檔策畫展出，去言說、交織彼此在文化裡面進一步的理解與認識。

今年秋天，首先我們迎來在伯斯由PICA主辦策畫的「揭露行動：臺北與伯斯的新藝術」，觀見臺北「新藝術」的西澳發聲；接著在北美館我們以「小說：雙城計畫」為名，反而指向古老的「歷史」，以及與歷史相關的概念。小說之於歷史，如同物與其鏡像間的面對映照，本展不只是涉獵了歷史感，也同時去梳理所謂歷史的概念、虛與實的雙重辯證。我們都知道，歷史往往是被建構出來的，舉凡小說、藝文、怪談、口傳……等創作搞不好還更加真實。通過「小說：雙城計畫」的演繹敘說，我們可以看到許多形形色色的小人物，並在他們的書寫、言說或囈語中，帶領我們重返記憶深處，促使我們重新認識自己、理解我們的鄰居以及他者。置身作品既虛構又真實的情境，我認為雙城的交流不僅僅發生於實體的經濟與產業上，更重要的是如何通過歷史和對話互動，尋求與他者、當下以及時代的共感。

這般對兩地歷史記憶的聯繫與爬梳，進一步體現於本展的視覺設計上。畫面中，浮現中央的是一方白色之新地塊，宛如一座陌生、尚待探勘的新生島嶼，但當你圖地互換來觀看，將會發現由上下兩片黑色海洋所夾生的島嶼，實乃臺澳之間阻隔的海洋，上方其實是澳洲西南方的海岸線，而下方則是臺灣東北的海岸線。換句話說，臺灣與澳洲、臺北與伯斯之間雖然隔著大洋，但從另一個角度看，卻更像是建立起一個堅實的地塊，這個新地塊象徵著臺澳之間延續二十年時空之美好情誼，以及未來將永續攜手的堅實連結。

如同友誼生成之全新地塊，本展得以順利呈現也有賴雙方、各界人員之攜手及協助，首先感謝臺澳兩邊政府──伯斯市政府以及臺北市政府的開創與支持，促成這次美好的交流展出；感謝領導伯斯當代藝術中心擘畫籌備的愛咪．巴瑞特- 蓮娜德(Amy Barrett-Lennard)館長，尤金．維奧拉(Eugene Viola)策展人的初期參與，以及夏洛特．希克森(Charlotte Hickson)策展人接續的策畫及呈現。感謝兩邊的藝術家們傑出的創作與精彩的呈現，以及長期穿梭在兩地作文化交流的張怡馨(Ashley Chang)女士的協助與促成，讓我們得以看到彼此相遇綻放的絢麗火花，並在兩地精彩完整之展演呈現中，創造如此豐富深刻之對話及激盪。

臺北市立美術館館長 林平

目次

序
└ 臺北市立美術館館長 林平
└ 伯斯當代藝術中心館長 愛咪．巴瑞特—蓮娜德

專文
└ 雙城計畫：一場以小說為名的抵抗／本展策展人 簡正怡
└ 尚未命名的故事／策展人暨作家 米蘭達．強生

藝術家與作品— 臺灣
└ 張紋瑄
└ 劉致宏
└ 邱承宏
└ 高俊宏+ 林住持+ 心妙法師
└ 王鼎曄
└ 楊季涓

藝術家與作品— 西澳
└ 丹．麥卡比
└ 伊娃．費南德茲
└ 彭谷瑞
└ 雅克布斯．卡波恩
└ 歐加．席若尼
└ 琵拉．瑪塔．杜邦
└ 西澳約克努恩嘎族社區與藝術社群聯盟

作品索引— 臺灣
作品索引— 西澳

序

「藝術家個展系列」於每年邀請臺灣藝術界學者專家，協同館內同仁遴選當代創作者個展計畫。本年度第一檔個展系列深具策劃觀點地於同一樓層、統一展期並置，可相互對話與參照四位藝術家階段性的創作，呈現中青世代藝術家因應當下時代氛圍所展開的議題向度，也藉由展場十字軸線空間對應個別展陳樣貌及論述手法。

曾獲「臺北美術獎」優選之藝術家倪灝，於今集結過往積累和全新創作在本館進行個展。「伏擊」，展覽散發動態 (dynamism)與不安定感，當觸目可及的是飛射卡片、拼貼式旋轉影像、似動非動的機械擠壓與投影短片跳接、這些處於靜態定位的作品不僅漸次地隱隱挑動神經，更是伴奏著不絕於耳的躁動聲響—物件撞擊、鼓、空壓機馬達疊加管樂器聲，讓感官疲乏至無所遁逃；藉此騷動不已的作品展呈，倪灝嘗試探討物件牽制、操控人背後的暴力形式和權力運作，擴大彰顯當代社會中信用卡、貨幣、家電品、槍枝、網際網路等流通使用，與其後操縱國際地緣政治、全球金融體系之無形的手。

本次個展猶如溫故知新倪灝的創作脈絡，其延伸重組過往作品素材，並將戲仿元素循環於不同排列組合中，2014年《夜雕塑》的組件—菸、殘渣、Fresh Tears, Hot Blood, Wet Kisses—無論是將之疊加重組或版本重製，亦或進而融入至新作玻璃辦公間內，在在顯示藝術家身處當代媒體社會，其採集田野的“網際網路”供應，來自全球無時限無過濾的資訊蔓延，訊息短暫無常 (ephemerality)擾動著存在 (presence in time)的即時性。縱使其供應機制因時因地而程度不同，身處系統內的我們仍不斷地被殊異暴力結構影響、制約著，這也促使藝術家持續反芻作品，以探索既有的及不斷浮現交錯之意義情境為何。

林平 臺北市美術館館長

序

「董陽孜」在臺灣是位獨特的藝術實踐者，過去幾十年來，她以突破傳統書法的多元藝術實踐呈現於現當代社會。自六○年代末起至今，她已累積了一定質量的展出，但至今未曾舉辦過回顧性的展覽。此番展覽安排不只是她個人創作的階段性回顧，也將會是北美館開館多年來，罕見以書法書寫出發的大型個展。
本館以現當代藝術為職志，早期舉辦過以傳統筆墨為媒材的主題群展與個展，包括水墨畫在時代變遷中的演進與書畫個展等，對於傳統文化如何在現當代社會、藝術與生活產生作用，進行觀察、研究與梳理，並甚為重視。書法是華人世界與亞洲的重要文化核心資產，在科技與生活快速變遷下的現當代社會，獨特的書法傳統到底扮演什麼角色？為何、並且如何存在？董陽孜幾十年以來的書畫歷程，或許提供了部分答案。
這次的前瞻性策畫，企圖探討、梳理董陽孜的「書畫」歷程。她的文字書寫從古典書法臨寫出發，擺盪在中國傳統與西方現當代文化脈絡之間，獨自探索其獨特道路，是位「非典型書家」。董陽孜曾經稱她早年的書法為「書畫」，著名書法家臺靜農與藝評家漢寶德也認為她做到了書與畫融合；臺北市立美術館前館長黃光男於1994年董陽孜第一次在北美館個展時，則以「書藝家」相稱。
本人猶記得當初邀請董陽孜於北美館舉辦回顧展時，被藝術家回絕的趣事。其理由是，回顧展屬於過去式，而她仍在往前行。最終，我們以「回顧作為前瞻」為要旨，說服了董陽孜。這樣的階段性回顧，意圖觀見董陽孜在時代中為一項傳統文化與藝術在現當代社會所打開的獨特境界。
展覽將爬梳董陽孜的創作歷程，展出其各個時期、尺幅各異的書寫創作近百組件。回顧展得以實現，首先感謝董陽孜一年多前終究應允本館的規劃，使本館得以不辱使命地推動書藝的當代性。承蒙收藏單位與個人支持並慨允出借珍貴藏品，使展覽得以具體成形。感謝楊文建先生與誠品畫廊的具體協助，對展覽規劃有莫大助益。對於籌備期間鼎力協助本項展覽的個人，特別是郭來德 (Fred Gordon)先生與提供1997年珍貴影片的孫曉鈴女士也於此一併感謝。

臺北市立美術館 林平館長 

目次

序 / 林平
點與線的進擊：董陽孜藝術創作的當代觀看 / 石守謙
書法與現代藝術的碰撞：董陽孜從平面走向跨界的歷程 / 李明明
筆墨作為媒介的現代性書寫：董陽孜的行墨 / 張芳薇

作品/ 圖版
└ 西畫與臨寫
└ 實驗：超越傳統
└ 書中有畫：談董陽孜的現代書法 / 漢寶德
└ 表現
└ 一點一劃皆天籟：談董陽孜書寫下的有形之樂 / 石守謙
└ 巨大書寫
└ 「老莊說」的回響 / 柯慶明
└ 重複書寫：對照

藝術家年表

序

本館「2019年藝術家個展系列 II」於暑期正式揭幕，創作者透過自身關注的議題及多元的媒材，互相進行交流對話， 也提供觀眾豐富的觀展體驗。「馴國」是藝術家吳權倫近年來持續進行的計畫，透過對於德國狼犬的研究及以之為造型的人造物件，探討國族認同、種族主義、文化政治等議題。這個計畫始於他個人收藏的一批台灣早期狼犬撲滿，這批多數在鶯歌生產的狼犬撲滿，造型滑稽逗趣，常被當成套圈圈的獎品。撲滿的形式反應台灣當時逐漸富裕的社會，多以坐姿出現反應狗的顧家護主形象，也有利燒窯空間的運用及套圈圈的命中率，呈現出一種台灣早期的集體記憶。
2017年利用在柏林駐村的機會，權倫擴大收集歐洲諸國的狼犬造型陶瓷，並走訪德國狼犬的培育地。從狼犬的系譜研究、品種認證、與德意志民族及軍事史的連結等層面，更深入的進行訪談研究。相對於台灣陶瓷狗，歐洲的狼犬陶瓷多是趴姿，姿態的細微差異也反應出不同的政治情勢、各國的審美觀，以及民情偏好。從狗的品種、到人的民族、到不同國家所生產的陶瓷狗，揭櫫人為形塑背後的意識形態。
展覽除了透過現成物、影像、訪談、文獻、表格鋪陳外，穿插了許多他為這個議題所創作的作品。例如利用羊頭皮狗零食翻銅製成的字母， 拼出BREEDS、NATION、ETHNIC、REGION、RACE 等展覽重要關鍵字；或是透過素描及白瓷，呈現狼犬在從事敏捷訓練課程如跳環、翻牆、爬梯時的身體幾何變形。亦或是局部輸出狼犬脖子上令人莞爾、反應時代氛圍標語的金牌。在批判與嘲諷、馴養與玩物之間，讓展覽增添了幾分趣味性。
權倫從自身感興趣的動物題材切入，透過收藏、分類、研究、知識生產、創作，讓這個主題進入博物系統，並藉以探討更深層的議題。相信除了藝術愛好者外、對於專業的育犬團體或甚至一般的愛狗人士都極具吸引與反芻力。也期待他持續深耕發展這個計畫。

臺北市立美術館館長 林平

Statement

序／林平

Allach Nr.76／吳權倫

關於「馴國」展覽中的犬身體和一些延伸／陳寬育

人類文明意志的延伸：吳權倫的「馴國」／朱峯誼

作品清單

館長序／林平
本館自開館即發行至今的《現代美術》季刊，從2016年第181期起特別企劃「藝術家特寫」單元，爬梳臺灣中生代藝術家的學習歷程與創作理念，現已完成十三篇精闢且內容豐富的藝術家訪談。
在此所謂臺灣「中生代」藝術家的定義並非生理意義上所認知或界定的「中年」，而是指特定世代的藝術家，在其專業養成階段均經歷過臺灣於八〇年代後半期，也就是解嚴前後，在政治、社會與文化各方面的大變革，而這一巨變對天生就是社會觀察與批判者的藝術家，產生了深遠的意義與影響。當時，大量的國外藝術資訊如潮水般湧入，讓求知若渴的這一世代藝術家，其眼界得以拓展，思想得到解放與啟發；也有不少年輕藝術家在大學畢業之後選擇到國外繼續深造或駐村，快速地與西方藝術創作接軌。
時代的轉輪快速前進，我們對世界的認知也由於網路科技的發展大量導入對虛擬世界的探索與建構。藝術家面臨當代跨域媒介發展的新挑戰，過去所操作的現代藝術創作語彙力未能逮，因此他們得有新思維突破既有藝術傳統與框架的重圍，找到能與當代對應的創作語彙，這些心路歷程與自我剖析都在每位藝術家的訪談中娓娓道來。亞瑟．丹托 (Arthur C Danto)在其知名的著作《在藝術終結之後──當代藝術與歷史籓籬》中陳述，當代藝術發展已推翻現代主義所提倡的人類的真善美，也就是崇高 (Sublime)之美，而是朝向更個人主義美學觀的關注。
《藝術絲路──臺灣藝術家訪談錄》共計收錄九篇訪談，每位藝術家都透過不同的渠徑，覓得適合自己的創作主題與手法，以建立個人創作的獨特風格。石晉華與陳永賢的創作主題與手法都隱含著內省與慈悲的宗教關懷，對人的內在世界都有非常深入的思索。劉時棟與蔡海如兩者對於以勞動方式實踐藝術創作彼此有所共鳴，他們的作品都運用大量的剪紙，專注的手做動作，有如可安定其內心的一道法門。水墨養成背景的潘信華雖然採用傳統的筆、墨、設色之媒材，但其創作企圖為水墨發展注入當代性。在裝置錄像藝術表現非常出色的陳正才與陳永賢，不約而同地把他們所關注的「他者」對象，透過參與式的方式，邀請加入其藝術創作過程；而同樣的手法也出現在黃蘭雅的作品計畫中，她以反諷的觀念，選擇以工業化媒材，處理她關注的環境議題。最後，王德瑜與王雅慧的創作對空間的探索，分別以理性辯證與感性懷舊的調性加以著墨，以作品來探討物理空間如何界定內外，以及時序中空間的意義與可能性。
本書收羅2016年至2018年間出版於《現代美術》季刊「藝術家特寫」單元之九篇藝術家訪談，他們每位的藝術發展歷程以及藝術思考，見證這一特殊時代對這一世代藝術家創作的折射與影響，亦在其作品留下痕跡。本書的出版企圖彰顯藝術家透過各自的途徑回應時代的衝擊，也期望可為未來臺灣藝術史的研究保存第一手珍貴的史料。

目錄

館長序／林平
　訪談錄

　└ 石晉華
　└ 陳永賢
　└ 陳正才
　└ 黃蘭雅
　└ 劉時棟
　└ 蔡海如
　└ 王德瑜
　└ 王雅慧
　└ 潘信華
附錄：訪談者一覽表

序

此刻正在臺北市立美術館展出的暑期大展—「池田亮司個展」，作品涵蓋聲音雕塑、視聽裝置、燈箱及平面作品，完整呈現池田亮司的創作進路。許多觀眾很容易閱讀他的作品，把它們視為一種純粹的「技術產物」。確實，他的作品具一種震撼人心的視聽元素，當下你的知覺被這種強烈的質性所導引而放棄了所謂判斷。如果讓藝術家自己來說，就是他在媒體發佈日當天的說法，「作曲」是他創作最核心的部分，他所做的事情，是把作曲這個概念，應用在任何藝術形式，有時是平面形式，有時是表演形式，以及他認為作曲是非常抽象的，很難形容，它就像是在大腦裡組合的積木一樣，是一種數學式的結構。
池田亮司就是以作曲家的方式思考創作的表現結構，同時運用數學的計算效能帶出關於「美」和「崇高」的哲學性思考。 他浸淫在數學、科學和藝術的切點，高度讚揚數學家是沉醉在美當中的典型人物。對他來說，數學本身的最小單位可以演化到「數」的無限性。而「美」和「崇高」就是對於超越事物界限的宏偉尺度所展現出的驚人力量，這正說明它們和無限性有關。也就是這個展覽最迷人之處，池田亮司用數學方法，具體而微地把宇宙視覺化。他說自己是化約論者reductionist），他的作品都是把聲音、光和世界化約成正弦波、像素和數據。在他的作品裡，數字只是一種表象，純粹放在作品裡把它物質化。在這裡，技術問題是最微不足道的，那只是藝術家的工作；觀眾進場看展，只要懂得聆聽和欣賞，觀看每一件作品，就像是看一場現場表演。
這個暑期大展的形塑歷程係由本館策展人蕭淑文及客座策展人林怡華與藝術家及其團隊共同商議選件而成，每件作品看似複雜困難難以理解，但池田亮司希望每個人藉由直觀去看待他的作品，同時透過人的經驗去感受。透過直觀，就可以發現根本原理或極細微的東西。譬如，作品裡可聞或不可聞的音頻變化。雖然我們不是哲學家，但這個暑假就讓你、我透過直觀，細細品嘗池田亮司的作品，從表象的每一個細微部分著手，從最容易理解的逐次推演到最複雜的。或許正如藝術家所說的：「寫文章談論莫札特的曲調是再荒謬不過的事了，你只要傾聽它就會懂了。」池田亮司希望大家走過每一個展間、邂逅每一件作品，就像經歷了一個時間與宇宙的旅程。

臺北市立美術館館長 林平

序／臺北市立美術館館長 林平

專文
└ 再探池田亮司作品意識形態之路徑：淺談池田亮司個展／蕭淑文
└ 無限之聲：連續之森／林怡華

聲音、光、數據
└ A「連續統」
└ 臨界點
└ 符碼─詩
└ 數據─掃描1-9號
└ 普朗克宇宙「宏觀」

思想實驗#1-8
π、e、ø
測試圖系列作品

時間—離散與連續
└ 4'33"
└ 4'33"（灰色）
└ 4'33"（黑色）
└ 0'10"

系統學
└ 系統學 [nº4-3]
└ 系統學 [nº4-4]
└ 系統學 [nº1-4]
└ 網格系統 [nº1-a]

作品清單

館長序

本館「2019 年藝術家個展系列II」於暑期正式揭幕，創作者透過自身關注的議題及多元的媒材，互相進行交流對話，也提供觀眾豐富的觀展體驗。「曠野的溫柔」是藝術家黃華真透過《聖經》中描述以色列民族在荒漠中漂流的故事，對應自身在創作過程中的尋覓探索，以及生命重要時刻的深切反芻。展覽收攏近十年之平面創作，以及對立體造型的初試啼聲。視覺語彙的進展，同時代表自我的成長，以及對人生的體悟。
華真創作起始即選擇繪畫為她創作的媒介，她以生命經驗入畫，畫作中總透露出一縷早熟的穩重氣質。她視2018 年繪製的一幅海上珍珠為她視覺語彙的突破，「珍珠」是意像符號、神的旨意。代表自己心愛的人，都像是珍寶一樣的被對待。透過珍珠，將信仰入畫，也將自己的心情與祝福透過畫面保留下來。
從平面紋路跨越到立體緯度，提供華真重新認識不同媒材個性的機會。拮抗與撫弄的來往，交錯在繪畫與鑿擊之間，極為不同，卻似有共通。處理不同石材，需順其紋路，耐著性子不得操之過急，否則會造成傷痕。而當傷痕造成，需透過打磨來處理它時，這種反覆磨鍊、療癒的過程，就像是人生面對困難時的隱喻。平面的珍珠從白色顏料轉化成黏著於石雕上的立體造型，不變的是隱藏在手感中最真摯的情感與思緒。
此次個展的調性正如其人，溫柔纖細，同時堅韌勇敢。展場大小作品併置，宛如蛋糕上的糖霜，互相襯托對話；在悠悠的曠野中自我詰問，曾經失焦，曾遇迷途，卻得以洗滌重生。「曠野的溫柔」代表一種生命繼續向前的內在力量與韌度，華真恰如其份的在「繪畫」中捕捉這樣的信念。

林 平——臺北市立美術館館長

To my shepherd and my loving family

館長序／林平

始見沙塵中有微光／陳昕
曠野的溫柔：等候自己的練習／黃華真

作品

圖錄

簡歷

註記與致謝
今年夏天，臺北市立美術館舉辦了大型的池田亮司個展。這是池田亮司繼2009年在東京都現代美術館個展之後，首次在亞洲的個展，內容涵蓋聲音裝置、音像裝置、燈箱、平面作品，及首次展出他在歐洲核子研究組織（CERN）駐村時的手稿。展覽規模和內容堪稱是近10年來之最。關於「池田亮司」，很多人把他視為一個電子聲響品牌，他曾錄製CD、是歐美各大音樂節和藝術節的常客，他的現場音樂會具有一種震懾人心的穿透力把聲音、視像推到極致，他是音樂家也是聲音藝術家。在台灣，玩噪音、聲響的圈子或是當代藝術圈對池田都帶有獨特偏好，並各自在特定判斷和品味之下，對他的作品提出某種觀點，急切地想把他歸類在「某個類型」藝術家。
對美術機構來說，我們的任務是透過展覽，更清晰地爬梳藝術家的創作進路，和論證隱藏在作品中的內涵。池田亮司的創作路徑涉及數學、量子力學、哲學，他說自己是一個化約論者（reductionist），他的作品把聲音、光和世界化約成正弦波、像素和數據。他浸淫在數學、科學和藝術的切點，通過作品，身體力行著自己的觀點。因此，從一開始，我和展覽團隊都在思考一個問題─池田亮司作品必定要有某種比形式分析更精準的描寫，好讓它們能在不同的層次上被體驗。當然，藝術作品說了什麼，作者（藝術家）會有他自己的陳述，評論家會提供我們某種詮釋。那麼，什麼樣的論說，是我們想要的？或者說是把池田亮司的作品安置在數位藝術脈絡而視為理所當然的評論絕對不是我們想要的。長久以來，正是因為我們看到他作品中有耀眼的視覺效果及滿布張力的聲響表現，便把它們視為一種純粹的「技術產物」。這類陳述觸碰到的只是作品皮層，而沒在內涵上抽絲剝繭。
也因此，我們發行池田亮司2018年於龐畢度藝術中心展出之展覽專輯《連續統》（continuum），這本書耗時近2年才完成，他參與了內容編輯及書籍設計。收錄的文章和評論，涵括了對他所有作品的評論文字、訪談，作者群有藝術史學者、哲學家、藝術評論、物理學家、策展人。在這些文章中，不同專業領域的作者用他們的論點談論池田亮司的作品。這本展覽專書蒐集近年來對池田亮司作品的思考的合集。隨後，法國出版社Éditions Xavier Barral授權本書中文版由臺北市立美術館獨家發行，並享有中譯本的所有權及全世界之專屬銷售權。
最後，我希望能夠藉此機會表達對池田亮司的感謝，在他的慷慨協助下，臺北市立美術館才能出版這本頗具分量的藝術家專書，期許能夠推廣到華文世界，讓大家藉由這些精采的文章細細品味他的作品。

臺北市立美術館館長　林平

目次
連續統的迷宮
　瑪薩拉‧利斯塔（Marcella Lista）

池田亮司│連續統
生命的符碼：關於池田亮司作品的若干反思
　秋斯‧馬丁尼茲（Chus Martínez）

池田亮司，或閾下時間
　伊立‧德林（Élie During）

離散的連續性
　奧黑里安‧巴侯（Aurélien Barrau）

軌跡
1993–2018

未知者的種種模型
　與瑪薩拉‧利斯塔對話

池田亮司論池田亮司
　與淺田彰對話

附錄

本書由臺北市立美術館與法國出版社Editions Xavier Barral共同協作發行
原書名：Continuum
原版 © Editions Xavier Barral, Paris, 2018
中文版 © 臺北市立美術館, 2019

館長序
北美館推動申請展制度已逾30多年，希冀透過舉辦多樣貌的個展，呈現臺灣創作者全方位的創意觸角與跨域性的思考。因此不論是小型回顧、著眼於自我階段性的梳理與盤整，亦或是實驗性創作，皆能以有機體形態蔓生於美術館的白盒子場域。2017年起，北美館以「藝術家個展系列」─申請展精選計畫，一次推出四檔表現優異的展覽，企圖聚焦展現中生代、中青代甚至是新銳藝術家多樣的創作能量。
「2019年藝術家個展系列II」其中一檔展覽為陳郁文的沉浸式錄像裝置「日常的虛構重建：虛與實的感知體系」。此展透過藝術家的創作研究，試圖解構、再建構社會議題、環境與既有的自然性，試圖拋出新視角檢視特定的主題與意識型態，邀請觀者以身體感知的方式查看生活周遭習以為常的事物，並探索其中刻意被建構的意涵。誠如《天際棲息》的攝影裝置展現臺北隨處可見卻特殊的居住地景─頂樓加蓋，此結構不是基於建築師精準測算所建蓋，而是出於一般民眾的日常所需，陳郁文將此建築物視為浮在臺北半空的雕塑，代表常民的美學。雙頻錄像緩慢播放著在不同地點拍攝的頂樓加蓋影像，試圖讓觀者思考臺灣社經狀況、地理環境與此有機結構產出的關聯性。
《自然性I》由錄像投影、盆栽植物、人造植物（皆非原生於當地的物種）所組成，利用感知與認知模糊真實與虛擬的邊界，進而探究自然與人工之間的關係。《自然性II》則透過多頻道錄像與投影製造外部蒙太奇，擴張觀者閱讀作品的可能性，探究敘事世界與現實之間的異質敘事體。《著紅》為實驗性虛構的紀錄片，處理回憶的虛構性及跨文化的再現，進而思辨文化主體在身分認同議題上的遊牧性質。
「日常的虛構重建：虛與實的感知體系」展覽得以於今年順利圓滿開幕，在此感謝107年申請展評審委員投入的智慧判斷與心力，他們是北美館持續籌辦此徵件平台不可或缺的舵手。同時，也謝謝傾注熱情、專業能力參與展覽製作的每一份子。

林平 臺北市立美術館 館長

目錄
館長序
作者序
致謝
仿 地景
仿 自然
仿 日常

館長序

二〇一九年，北美館連續舉辦兩檔中生代以降的藝術家個展系列，這是前輩藝術家回顧型邀請展之外，藝術創作者得以在北美館舉辦個展的重要露出機會。透過申請展機制，北美館對外徵求精湛的展覽提案，已舉辦超過三十年。二〇一七年起，為加乘展覽之間相互激盪的宣傳效益，以及強化觀眾體驗之多元感受，美術館以「藝術家個展系列」，在同一檔期、同一樓層展間，推出四檔藝術家個展，期望開啟展覽對照的獨特性與精采對話。

「二〇一九年藝術家個展系列II」其中一檔展覽是張般源的「自我、人與機械及其殘餘」。這個展覽集結十五件裝置、雕塑，探討自我與人類以及機械之間的共存關係，回應人處於全球化發展的網路場域，對自身的文化傳統(習俗、身分、民間信仰、儀式)及機械上的遊牧行使權(nomadic accessibility，例如網路空間、資料存取與通行權、指令的使用權)的拼接與再想像。張般源針對蓬勃發展的科技技術將取代人類勞力，或民俗物件因演算法日漸消沈殆盡等議題，提出不同的觀點。他藉由創作實踐對應文化資產的論述，在展覽中以兩個視角切入：第一條軸線是對歷史殘餘的反思，以偽文物、神像等呈現作品，著重物件功能性的正面思惟看待消逝的傳統文化。第二條思考軸線闡述人與機械非對立的關係，例如作品《阿斯克勒庇俄斯的解剖學》的聲控裝置，顯示聲音可以是連結環境的一種符號或無形的語言。在展場收集的聲響，透過科技媒材驅動機械裝置；因而當觀者踏入此一場域，自身即與人工智慧的科技交互作用，體現科技正是與人類相互依賴而發展的事實。經由展覽的實踐過程，張般源欲以另一種求合的觀點看待當今世界所遭逢的困境。

「自我、人與機械及其殘餘」展覽得以圓滿完成，順利開幕，在此感謝一〇七年申請展評審委員投入的心力與智識，讓北美館得以穩健地舉辦申請展徵件，持續支持國內的藝術創作者。同時，也謝謝傾注熱情，專業能力參與展覽製作的藝術家及工作團隊。

林平 臺北市立美術館 館長

目錄
館長序
引言
第一章 我們的位置
第二章 「自我」、人類與機械及其殘餘
第三章 「自我」
第四章 人類與機械
第五章 殘餘
第六章 建議
參考資料

序

日本、韓國和臺灣三地在大時代中，同時經歷了冷戰、全球化，以及以西方為中心的藝術發展史；這些從地緣政治與生命政治視角所見證的掙扎與奮鬥，在抽象繪畫發展上有其相仿的進路，雖有不同的區域面貌，卻值得重新發現內在相聯的文化紐節。「她的抽象」展覽的籌畫，不只是帶領大家重訪臺灣與東亞的美術史，除了史學上的研究，我們也從社會學和心理學等學域的角度著墨，同時以策展的手法，重新創造一種研究書寫的嘗試及觀看視角的可能性。
讓我分享一段個人生命史，關於八〇年代末留美創作期間與一群東亞女性創作者的相遇，使我重新檢視自己所從出的文化與歷史之間的關係，它也正是這個展覽起心動念提問的源頭。包含我在內的這群東亞女子當年似乎略過了亞洲地緣的鄰近，微妙地在地球的另一端相遇，忽略抽象表現主義在西方主流歷史的褪色，共同尋求抽象語彙及大尺幅創作的共通慾望，到底是甚麼讓我們著迷執著於非具象的表達？返臺後的這些年，多元文化、後殖民論述、性別研究等議題的漸次發酵，讓我繞了一大圈，突然領悟到，原來我與東亞某些創作者具有如此相似的生命經驗、文化涵構，不只是地緣上，還是性別差異與性靈上的親密感。
這樣的背景下，促使我邀請兩位客座策展人一起推動這檔展覽，試圖創造一個歷史與當代跨域研究可行的解讀視角。這些展出作品間彼此的關係脈絡，不管在文化上還是在歷史上，都彷彿彼此對話著；這也是我身為一個女性創作者出身的館長角色，對於這個展覽舉辦，從微觀生命與歷史縱深探索均深感欣慰的地方。
北美館在首次空調整修休館9 個月後的重新開館，同時面對典藏庫房興建與臺北藝術園區北美館擴建的巨大工程任務。相應這些未來性的硬體工程，過渡期間的軟體構築正可以讓我們預見北美館的歷史功能再現與時代轉身。「她的抽象」的展出時空，正延續和強化二樓展場設定為「歷史研究」區域的空間規劃。本館2000 年「東亞油畫的誕生與開展」展覽，或許也是溯源本館東亞藝術發展研究的引子。
感謝這次所有參展的藝術家姊妹們，同時特別要向韓國策展人文貞姬、臺灣策展人王品驊、日本學者千葉成夫，還有其他參與此次展覽的學者致謝。另外，這次策劃受到了東京國立近代美術館、京都國立近代美術館、金澤21 世紀美術館、韓國國立現代美術館等幾個國際重要機構的支持與信任，寄託重要藏品借展，在這樣的歷史重遇與當代重構機緣裡，本館深刻表達最誠摯的謝意。

臺北市立美術館 館長 林平

目次
序
藝術家與作品
　前．鋒
　└ 草間彌生
　└ 田中敦子
　└ 辰野登惠子
　抽．象
　└ 石川順惠
　└ 津上美由紀
　回．響
　└ 崔郁卿
　└ 梁光子
　魄．惺
　└ 張相宜
　└ 安美子
　行．勢
　└ 楊世芝
　└ 薛保瑕
　源．真
　└ 陳幸婉
　└ 洪藝真

專文
　走向繪畫空間前方—試論日本女性抽象繪畫／千葉成夫
　亞洲抽象藝術與韓國的女性抽象／文貞姬
　出走：臺灣女性抽象繪畫的多樣路徑／王品驊

年表
藝術家簡歷
圖錄索引

館長序
「臺北美術獎」自開辦以來一向是台灣新生代藝術家每年對決較勁的指標獎項，近年來的制度調整，更吸引中生代以降的成熟藝術家亦能參與盛會，擴大獎項在生態中的平台效益。2011 年起臺北獎更開設一個籌辦首獎得主個展的機會。這是一個開放性的展覽約定，內容可能是藝術家創作生涯中，階段性的沉澱與回顧；或許是創作的轉向與突破。本館希望藉此能持續關注得獎的優異藝術家，激勵他們堅持信念，追求自我的獨特美學與創作路徑，並提供一個在生涯中發展中的重要發表平台。
今年臺北獎首獎個展是由2016 年得主黨若洪，是近年來臺北獎參賽者中，少數僅見的繪畫創作者。在暌違三年後重返北美館的他，見證了自己無悔的繪畫初衷，更呈現了豐沛開闊的創造能量，成熟自在的藝術語彙。「老男 • 雜匯 • 小神仙」是從黨若洪得獎作品「小神仙」延伸出來，黨若洪繪畫裝置的展覽形式，探究自己在這幾年來，不論是藝術創作、心靈、身體、生命、生活上歷程與起伏，共計有53 件纖維板油畫作品，透過平掛或懸吊布置手法展現出來。展場中也錯落安置了幾件與創作密切相關的自製或撿拾的現成物，他甚至將隱藏無數靈感線索工作室一隅，嵌入展覽板牆。
作為一個繪畫創作者來說，黨若洪並不平面。他的繪畫總是飽蓄著戲劇性的美學，一種意猶在外的假面姿態。畫面中層疊的感官厚度，更有說也說不清的交錯敘事。從這次展覽中不難發現，他更執著去營造一個繪畫之外，空場之間的隱喻劇場。不只繪畫、物件，觀眾也是角色。隨著空間過場，影像開始有虛實交錯的隔空對映，意涵在游絲牽引中累積起來。這種對空間的動念，對繪畫呈現的企圖，讓黨若洪的創作衝動直搗了當代繪畫語意的核心。
2015 年突發的聽力受損，黨若洪身心陷入巨大的苦難與無助。然而這段無法反轉的生命經歷，卻在他的作品中產生出一股強大的身體感及創作能量。那些耀動的筆觸與流動的色彩，正是這段跌宕起伏的旅程軌跡。本次展覽標題，不論是老男或者是小神仙，正是他一種自我多向度的投射，而透過展覽整體的實踐，這些可貴的閱讀線索更見具體。本次北美館有機會能與藝術家合作，回顧整理他幾年來的作品，最終呈現的是一個相當可觀的階段性回顧展。在此不僅為黨若洪深感高興，也希望本次展覽的呈現，不論是創作者的藝術執著或是展覽的執行實踐，都能為台灣當代藝術新秀帶來更大的鼓舞與激勵。

林平

館長序

專文
└ 人像生命 / 派崔克．佛洛雷斯
└ 都市局中人：黨若洪的詩意尋索/ 陳水財
└ 老男．雜匯．小神仙「只學吹簫便得仙 」/ 黨若洪

圖版
└ Old Man
└ Youth
└ Lottery
└ Flower
└ XX
└ Wardrobe
└ Fairy

簡歷
作品索引

序
台北雙年展自 1998 年開始邀請國際策展人策劃，轉型為國際雙年展模式並成為臺灣在地與國際當代藝壇交流的平臺，至今已進入第十一屆。本屆雙年展由長期耕耘環境實踐的藝術家吳瑪悧與義大利籍現任V-A-C 基金會藝術總監范切斯科．馬納克達（Francesco Manacorda）共同策展。本屆雙年展立基臺灣的實踐者與受邀之國際客座策展人，憑藉他們對於不同地域與領域的關注與專業，進行跨文化合作的國際策展。
延續「2016 台北雙年展」針對系譜學與歷史的特殊討論，為台北雙年展提供可以面對未來的基礎之外，本屆雙年展亦從過去身分認同、政治與全球化金融危機、資訊與科技高度發達等議題，轉而關注與人類切身相關的環境與生存議題。 2018 台北雙年展以重新觀照人類的角色，透過當代藝術進行思辨與實驗，並模糊藝術家／非藝術家二分法的界定。除了藝術家之外，超過三分之一的社運團體以及與自然生態保護相關的社群、作家與小說家、建築師與紀錄片導演等不同知識領域的專業人士，也成為本屆雙年展的參與者。他們藉由多元形式的實踐與創作，關注人類因自身利益而掀起環境與自然生態的浩劫、不得不重新面對在這個日益脆弱世界中的生存議題，以及相應的策略機制與科技手段，探尋人類自身在當代可能的存在方式。
本屆雙年展企圖反思美術館（museum）的功能與機制。展覽（exhibition）囿於展期的限制，往往發展迅速，難以發揮持續且長期的影響力；相較之下，美術館則能緩慢而有機地生發，細緻地回應周遭環境，並延續其展演活動的生命週期。同時，一個美術館如過於僵化地自限於建築體與概念本質的框限，它將會成為一個孤立的藝術沉思場域，無法接納藝術或其他生態系統持續的轉化、滲透與增生。因此，臺北市立美術館在「後自然：美術館作為一個生態系統」的策展主題下，試圖與不同的生態系統模式建立關係，關注這些機制中相互依存的重要性，以及此運作機制如何趨向於整體的共同利益。美術館作為台北雙年展的基地，將是展覽的中樞神經系統，透過實驗性操作，成為跨越專業領域多元討論的平臺；在新紀元中我們得以向外擴展，也持續引發及反饋更多的生態反思與迴響。
本屆雙年展亦首度於展覽尾聲宣告下屆雙年展策展人。由於議題的討論發展不僅需要時間，更需要延續；我們樂見本屆與下一屆的兩組策展人，對於策展觀點有所交流與共識，並藉此做法連結兩屆雙年展的策展論述，實現美術館身為對話平臺的自我期許與責任。
臺北市立美術館 館長 林平

目次

序／林平 臺北市立美術館館長

「後自然」作為重啟的社會空間／吳瑪悧
 生態系統與美術館之間難以想像的交集／范切斯科．馬納克達（Francesco Manacorda）
 新時代的詭譎普世性／布魯諾．拉圖（Bruno Latour）
 為荒野哲學而書／列維．布萊恩特（Levi R. Bryant）
從阿里山到里山：從臺灣環境治理典範的變遷看全球環境史／洪廣冀
後自然之「後」/之後／黃宗慧
沉默之聲：我的自然書寫觀點／吳明益
 後自然的多物種田野技藝／蔡晏霖
後自然生態系的現實與想像：從理性與感性看待台北雙年展／葉欣誠

展場平面圖
　亨利克．赫肯森 Henrik Håkansson
　瑞秋．薩斯曼 Rachel Sussman
　圖爾．格林富特 Tue Greenfort
　薇薇安．蘇特 Vivian Suter
　海倫．哈里森 & 牛頓．哈里森 Helen Mayer Harrison & Newton Harrison
　朱利安．夏利耶 Julian Charrière
　吳明益 Wu Ming-Yi
　陳珠櫻＋太陽能昆蟲生態箱工作坊，法國第八大學 Chen Chu-Yin + Solar Insects Vivarium Workshop, Paris 8 University
　張碩尹 Ting-Tong Chang
　烏蘇拉．畢曼 Ursula Biemann
　菌絲網絡社會（弗朗茲．薩韋爾＋太郎＋馬丁．豪斯＋鄭淑麗＋全球網絡節點）Mycelium Network Society (Franz Xaver + taro + Martin Howse + Shu Lea Cheang +global network nodes)
　趙仁輝 Robert Zhao Renhui
　古斯塔夫松 & 哈波亞 Gustafsson & Haapoja
　尼古拉斯．曼甘 Nicholas Mangan
　未來農夫 Futurefarmers
　杜恩．林克拉特 Duane Linklater
　英果．古騰 Ingo Günther
　原轉小教室 Indigenous Justice Classroom
　亞倫．瑟庫拉 Allan Sekula
　柯金源＋「我們的島」Ke Chin-Yuan + “Our Island”
　茱瑪納．曼娜 Jumana Manna
　黑潮海洋文教基金會 Kuroshio Ocean Education Foundation
　台灣千里步道協會 Taiwan Thousand Miles Trail Association
　打開綠生活 Open Green
　基隆河守護聯盟 Keelong River Watch Union
　蕭聖健 Hsiao Sheng-Chien
　露西．戴維斯（遷徙生態計畫）Lucy Davis (The Migrant Ecologies Project)
　阿列克斯．布爾達科夫 Alexey Buldakov
　陸季盈 Lu Ji-Ying
　黃信堯 Huang Hsin-Yao
　范欽慧 Laila Chin-Hui Fan
　區秀詒 Au Sow-Yee
　柯艾桑南 Khvay Samnang
　張懷文＋ MAS 微建築研究室 Huai-Wen Chang + MAS (Micro Architecture Studio)
　在地實驗 ET@T
　侯志仁 & 鄧信惠 Jerey Hou & Dorothy Tang
　林芝宇— 雜草稍慢 Zo Lin–Weed Day
　晁瑞光＋臺南社區大學 Jui-Kuang Chao + Tainan Community University
　隆薩克．阿努瓦特菲蒙 Ruangsak Anuwatwimon
　瑪莎．艾恬薩 Martha Atienza
　林從欣 Candice Lin
　鄭波 Zheng Bo

影片放映
作品清單
感謝誌

序

「藝術家個展系列」為本館提供藝術家展演發表之平臺，每年由藝術界的學者專家們與館內資深同仁擔任評審，共同精選出幾檔優質的藝術計畫於次年舉辦展覽，期盼激發藝術家持續發表新作的動力。繼2018 年館舍完成整修之後，今年連續舉辦2017、2018 年的展覽，每年選出四位藝術家，以共同聯合展出的方式，為八位藝術家接續舉辦兩檔、八位藝術家聯展。八位藝術家皆有其獨到的創作風格，無論資歷與經驗各方面，在國內外藝術圈己累積相當的資歷與聲譽，充分展現藝術家豐沛的創作能量。

本次四位藝術家在多元的展題下，透過各種媒介與形式與觀眾互動，共譜豐富的內涵層次與意象。四個藝術計畫同步展呈於三樓井字形長廊空間，除了展現藝術生態的多樣性外，也帶給觀者新的啟發與想像。

李明學2013 年取得英國羅浮堡大學博士學位。本展「在放鬆的多數的陽光中」，改編自布希亞的著作標題「在沈默的多數的陰影中」。看似安全的命名，探討著人們存在一個消費系統內，巨大浩瀚的消費系統以及符號，其實沒有人能夠逃得過。看展過程中，可以看到日常生活裡面非常熟悉的樣態，而我們怎樣去面對消費，以及對於剩餘價值的一些關係，雖然覺得有趣，同時也看到自己的渺小和無力。李明學用了非常幽默的手法呈現作品，重新詮釋生活周遭事物，將平日僵化武斷與理解事物的方式，產生一個新的觀看視野。

北美館很榮幸能夠參與四位藝術家最關鍵的年代，將他們成熟且完整的藝術計畫在此呈現於觀眾眼前。這次展覽得以圓滿完成，除了藝術家全力參與佈展外，還有民間企業的慷慨支持，這一切都讓我們深深的感動。

林平
臺北市立美術館館長

在放鬆的多數的陽光中

展覽以「在放鬆的多數的陽光中」命名，改編自布希亞的著作標題「在沈默的多數的陰影中」。 此展覽探索各式成列商品其所造成地視覺符號經驗、社會價值、語言慣習等在當代的可能意義。藉由個人幽默的方式重新詮釋生活周遭事物，以荒謬與令人莞爾的誤讀方式，讓作品所衍生出的意義思考和約定俗成的意義交匯、轉換並相互地嫁接再一起，僵化武斷與理解世界的方式在此產生岔路或繞路的機會。換言之，商品與物件的表象理解，在美學介入中，釋放使用經驗與認知的慣性，進而生產出差異的意義生產。

序

本館有幾項持續運作的制度，對於臺灣藝術生態發展佔有十足重要的影響。除了「臺北美術獎」外，就是每年由藝術界的學者專家們共同精選出幾檔能夠代表時代的「藝術家個展系列」。本屆四檔展覽在委員們評選過程中，加入了策劃的觀點，讓作品在三樓井字型空間展出時，能夠彼此對話，也讓觀眾同步看到藝術家處理四套不同的系統。

畢業於英國倫敦大學金匠學院的旅英藝術家張碩尹， 以「Kosmos」為題，是他為時兩年的創作計畫，啟發自德國自然科學家亞歷山大．馮． 洪堡（Alexander von Humboldt）。嘗試處理人和世界的關係，同時也帶入人類運用科技這件事情，他用了相當寓言的方式，處理這樣的系統問題。我們以往看到張碩尹的作品往往具有挑戰性地回應一些社會現象、關係現象的藝術計畫。而本次個展則展出一系列手繪的平面作品，藝術家把自己化身為早期田野調查的自然科學家、人類學家，將英國當地蒐集而來的文化特徵描繪在紙張上，也是哲學、科學的檔案累積樣態。除了機械裝置以及平面繪畫之外，這次也同步展出鱘魚、斜紋夜蛾、白線斑蚊培育等作品影像紀錄，完整呈現張碩尹近年藝術創作脈絡。

本屆四位中青世代的藝術家都有精彩的表現，感謝藝術家辛苦地投入佈展，將多元創作呈現於觀眾眼前，另外特別向借件的畫廊、基金會表達謝意，有他們的慷慨支持，讓展覽得以順利推行。

林平
臺北市立美術館館長

展覽概念

本展「Kosmos」啟發自德國自然科學家亞歷山大．馮．洪堡（Alexander von Humboldt），他博文多學、融會自通，是十九世紀經典的 「全知人」（universal man）；他訂定了科學的研究方法，透過精確的採樣與測量揭露自然的圖像；他認為一切有機體都相互關聯，革新了我們對生態系統的認知；他也是浪漫的冒險家，其旅行途徑擴展了帝國邊界，劃定了「科技文明」與「原始社會」的分界。本展集結張碩尹的數個跨領域合作計畫，從鱘魚、斜紋夜蛾、白線斑蚊的培育，到古菌與自動機械的歷史研究，藝術家以機械裝置、錄像與繪畫多樣媒材，邀請觀者探索他所建構的想像宇宙，如同十九世紀 的自然哲學家，觀者在展覽空間中進行時間旅行，在彼此矛盾、相互衝突的時空網絡中遊走；從類比到數位、過去到未來，在一個不中不西、既科學又魔幻、既古老又當代的世界中徘徊。

目錄

04-序

07-展覽概念

08-遺落在美術館中的「宇宙」

16-機械裝置

28-張碩尹的模擬遊戲(二)：自動機

38-艾洛伊&莫洛克

46-平面作品

62-錄像

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•  現代美術學報 | 40期

主編語／邱誌勇

專題：美術館與數位科技

└ 重演儀式與解構官方歷史—許家維《鐵甲元帥》及其策略／鄭欣昀

└ 關於繪畫衍生層的實踐與省思：像素介面與風格轉移／李炳曄

一般論文

└ 母職的煉金術：汪曉青攝影作品析論／呂筱渝

└ 以「間距」思維探求自然之道：薩璨如雕塑創作研究／張晴文

徵稿啟事

關於現代美術學報

學報體例

學報審查作業

版權頁

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•  現代美術學報 | 39期

專題：台灣六○年代前衛藝術的檔案性與文本性

└ 身體作為複寫歷史的美學策略：雪克作品中的電影書寫與轉化／史惟筑

主編精選

└ 藝術，在二十一世紀能做什麼？／貝拿爾・斯蒂格勒

└ 機器與生態學／許煜

徵稿啟事

關於現代美術學報

學報體例

學報審查作業

版權頁

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•  現代美術學報 | 38期

目次

主編語 ╱王柏偉

專題：九〇年代迄今臺灣的身體、行為與表演論述
└ 替身操演：數位表演藝術中的「異體」與「機器╱人」 ╱邱誌勇

徵稿啟事

附錄1
└ 關於現代美術學報
└ 學報體例
└ 學報審查作業

主編語

九〇年代迄今，由於解嚴的關係，威權政治意識形態加諸在人民日常生活上的桎梏逐漸瓦解，前此積累的社會能量循著不同的管道迸發出來，身體與以身體為媒介的社會運動、行為藝術與戲劇或舞蹈展演沛然莫之能禦地找尋各種實現的樣態。邱誌勇的〈替身操演：數位表演藝術中的「異體」與「機器/ 人」〉從「偶」與「機器人」的角度回頭思考「身體」、主體化了的個體與機器三者間的關係，並以張徐展、在地實驗與黃翊的三件作品為例，認為人與機器間有逐漸融合的趨勢。

專題主編　王柏偉

文 │ 編輯室

臺北市立美術館文獻中心近年致力於歷史檔案梳理工作，除了建立收藏、保存、管理等工作基礎，最重要的還是在，如何透過檔案複訪歷史事件，進而在當代語境之下重新面對檔案的詮釋與再利用工程。這次本館與獨立策展人周安曼合作，在繁複龐雜的檔案文件中，文獻中心逐漸考掘出一條「展覽檔案」的線索，部分研究成果委由她企劃成本期的「展覽檔案察考：設計工藝篇」專題。在導言〈舊事新語〉，周安曼聚焦於北美館開館後的1980年代時期，她發現，北美館作為彼時臺灣第一座現代美術館，曾舉辦了將近50檔設計工藝類展覽。同時她觀察到，近年這一大類的展覽隱隱有著「重返美術館」的趨勢，譬如香港M+博物館作為現代與當代視覺文化博物館之一，其典藏展示的重點發展策略即涵蓋了建築、設計與工藝，因此與M+博物館設計及建築主策展人Ikko Yokoyama的訪談，恰好從當代亞洲乃至全球正在進行式的外部視角，除了是從館史檔案出發對北美館自身的歷史回眸，饒富意義的更是此刻此在跨時空與1980年代北美館的對語。因此，在專訪之後，本期亦企劃了紙上檔案展示，擷選出部分檔案文獻，呈現北美館1983至1989年間花藝、陶藝、織物、設計等類別的展覽現場面貌。

本期「特別企劃」承自197期六月號以來嘗試製作連續性的專題「啟蒙．八○」，上期聚焦1980年代電影與影像藝術，本期主題為劇場，由王俊傑以〈劇場．八○：眾聲喧嘩與未竟批判〉為導言，並從個人參與當年劇場活動的角度專訪劇場導演黎煥雄因兼具詩人與劇場創作者身份，深論他對於1980年代解嚴前後河左岸劇團豐富的活動屬性與不同領域創作者之間的合作狀態；接著是有關「劇場．八○」閉門會議的現場側記，由王俊傑與黃建宏主持，邀請王墨林、黃建業、王耿瑜三位與談彼此對於臺灣劇場與電影的緊密關係、劇場啟蒙，以及對於其後實驗小劇場運動的衝撞起落與影響的見解、批判和歷史意義；最後為林怡秀選輯1980年代臺灣文化藝術界各領域人士在公立美術館主流之外藉以發表、交流的重要聚會場域，包括機構、圖書館、咖啡館、茶藝館、藝文中心等等。

楊世芝水墨創作的塗鴉、拼貼手法，是對「藝術作品」向來所宣稱的原初與唯一性進行探問。她為本期所構想紙上作品「拼拼看！與未知一起飛翔」，充分表達了她認為藝術創作應該是一種啟動人們思考與自我體驗的歷程。這種對於未知的探索，歸根於楊世芝長久以來對藝術本質的探討。本期專訪特別追溯了楊世芝早期藝術養成的過程，尤其是1970年代在美國接受藝術學院訓練時期，當時課堂上抽象與寫實的爭辯逐漸轉移到對於視覺經驗的專注思考，也影響日後她創作核心「整體觀」的建構。

專題　展覽檔案察考：設計工藝篇

└ 導言：舊事新語／周安曼

└ 工藝重返美術館：香港M+ 博物館設計及建築主策展人Ikko Yokoyama專訪／Ikko Yokoyama、周安曼

└ 〔紙上檔案展〕北美館早期設計工藝展覽選輯／周安曼

特別企劃　啟蒙・八○

└ 劇場．八○：眾聲喧嘩與未竟批判／王俊傑

└ 八○年代的身體伏流──黎煥雄：「在沒有行動場合、 行動現場的年代，我們的現場就是劇場」／黎煥雄、王俊傑

└ 「劇場．八○」閉門會議側記／王俊傑、林怡秀

└ 八○．聚會所／林怡秀

藝術家特寫　楊世芝

└ 書中美術館：拼拼看！與未知一起飛翔／楊世芝

└ 楊世芝訪談／廖春鈴、林晏

美術館短波

文 │ 編輯室

典藏實驗展作為本館典藏政策的具體表現，「秘密南方：典藏作品中的冷戰視角及全球南方」本於尋求物質文化與當代社會關係重建的意圖，邀請高森信男擔任客座策展人，探索典藏的未知潛力。本期專題邀請學者龔卓軍透過「策展接觸帶」的討論，鋪展展覽內在的新世代策展地理學、田野路徑及實踐策略；此外，高森信男提出以「物」為主的研究觀點，視「冷戰初期台灣／東南亞美術交流」為台灣與「全球南方」戰後藝術交流史樞紐，挖掘館藏的收藏脈絡與文化史結構，同時瞭解台灣在各個世代的國際想像及定位。

延續本館施行數年、導入展演時間向度與觀眾參與的「活展覽」，「藍天之下：我們時代的精神狀況」由本館策展人蕭淑文與客座策展人耿一偉共同策劃，作品構築於藝術家、策展人、觀眾的對話之間，以人、環境、生態、疾病為命題，描繪我們所處世界的現實情境。本期展覽觀點邀請劇場文字工作者周伶芝，剖析此類型展覽的觀眾參與和協作、展演的自由意志批判，是否挑起形式和意義上的逆轉；藝評人王韓芳則透過作品形式與疫病產生的衝擊作為思考的基礎，探討展覽與創作的辯證關係，同時關照活展覽的現下境況與未來動能。

「博物館研究」由曾任職龐畢度中心國立現代美術館典藏研究員鄭元智，憑藉其工作經驗與第一手資料，循著龐畢度中心創建宗旨與行政檔案法規軸線，梳理龐畢度中心旗下涉及圖書與文獻典藏的相關單位及其分屬之使命與責任，借此理解此一複合型藝術與文化機構的檔案思維與方法，如何運用這些資源，並且落實於典藏、研究、展示與教育推廣之中。

本館正籌備整理開館十年的館內檔案，為兼顧史料判讀與時代背景分析，研究組與王俊傑、黃建宏兩位學者合作，以1980年代台灣跨領域與實驗藝術檔案研究為方向，共同探詢其在台灣藝文發展歷史中的線索，希冀拼構以人以及各種關係所產生、形塑出來的創造力與能量。援此，延續上期「特別企劃」，本期「啟蒙．八○」專論電影藝術部分，由黃建宏以「新電影之外」為楔子；王俊傑專訪高重黎以其兼具攝影記者、實驗電影、影像與當代藝術創作等身份談論對於八○年代的諸多觀察；也特別邀請1980年代中期後在報章副刊撰寫評文、編寫《戰爭機器》叢刊的迷走，以當時人際間的互動與合作的種種因緣寫下自身回顧二三事；最後則是「電影．八○」閉門會議現場側記，會中邀請齊隆壬、王派彰、陳平浩、迷走四位與談學者專家切磋彼此對於台灣新電影的起落與迴響。

本期邀請袁廣鳴為「書中美術館」創作《燒不毀的書》，藝術家以AR技術呈現一種另類的紙上作品樣貌，延續他「反轉日常事物成就新的觀看現實」的創作主軸，提供本刊讀者在熟悉與陌生之間的嶄新閱讀經驗。「藝術家特寫」專訪袁廣鳴從電影夢走向錄影藝術、負笈德國、學成歸國創作與教學迄今逾35年的實驗與實踐歷程，畫出藝術家在各個階段的創作脈絡、作品理念與美學訴求的影像風景。

專題：秘密南方

└ 走向域外．翻轉內在．漫長的策展接觸帶： 「秘密南方」的全球南方田野路徑／龔卓軍

└ 秘密南方：冷戰初期台灣/東南亞美術交流／高森信男

展覽觀點：藍天之下

└ 末世情境的身體展演機制：「藍天之下：我們時代的精神狀況」／周伶芝

└ 就「藍天之下：我們時代的精神狀況」展思索疫情所帶來的 各種衝擊及轉身／王韓芳

博物館研究：龐畢度・檔案

└ 從資訊到圖書文件──法國龐畢度中心的圖書館與文獻典藏／鄭元智

特別企劃：啟蒙・八○

└ 歷史是一種生態：新電影之外 黃建宏

└ 走入八○年代之前──高重黎「精神事件簿與精神技術的 變異：台灣後七○」／高重黎、王俊傑

└ 躁動、混雜、活力與流動：我的八○年代回顧／迷走

└ 「電影．八○」閉門會議側記／黃建宏、林怡秀

藝術家特寫：袁廣鳴

└ 書中美術館：燒不毀的書／袁廣鳴

└ 袁廣鳴訪談／許亞琦、廖春鈴

美術館短波

文 │ 編輯室
本期「展覽觀點」關注奧地利籍藝術家歐文．沃姆（Erwin Wurm）於本館個展，沃姆於1980 年代後期發展「一分鐘雕塑」而享負盛名，其雕塑作品結合攝影、錄像、文字、身體行動、尋常物件等，作品參與者受邀以罕見姿勢與日常物品互動，形成幽默諷刺或荒謬矛盾的狀態。本期邀請長期關注西方雕塑與藝術史發展的學者陳貺怡，以《是雕塑而非表演》為題，剖析藝術家創作上對於雕塑性本質與概念的思維，也連帶關照過去作品與現今的連結與創作歷程。
本館與提出「決定性瞬間」攝影理論聞名的法國攝影家布列松（Henri Cartier-Bresson）淵源甚早，曾於1991 年為他與夫人瑪汀．法蘭歌（Martine-Franck）舉辦攝影聯展，1992 年本館展出「我們的時代攝影展：馬格蘭攝影師眼中的世界」也包括布列松。配合法國布列松基金會「布列松在中國：1948-1949 / 1958」巡迴展，本期專題邀請學者以布列松此批攝影為題，探討20 世紀以來西方攝影界對於中國在二戰前後的歷史切片觀察，以及攝影作為預言，從布列松中國大歷史下的照片來看70 年前後的嬗變：包括資深學者郭力昕以歷史決定性的影像記寫為文評析，以及年輕評論家陳佳琦針對此作探究何謂布列松的挑戰。
「特別企劃」以1980 年代為軸，學者黃建宏的《跨領域的濫觴在八○》一文，其三個研究方向包括以文化之身份認同、科技之影像與電腦、以及社會媒體與自由經濟，指出1970 末、經過1980 到1990 年代初，各種創作者之間所發生跨領域連結與實驗的本土經驗，如何成為其後台灣藝術發展的內在動力。林怡秀的《1980 年代跨領域實驗初探》亦將當時各種類聚交流歸納出行為表演、劇場實驗、北美館與科技影像及跨媒材創作展、電影媒體、以及體制外的息壤等，圖文並呈顯現解嚴前後台灣藝術風起雲湧的豐富樣貌。
「文獻研究室」由長年研究資深藝術家洪瑞麟的學者白雪蘭，透過家屬捐贈之由，偕同館員前往加州探訪洪瑞麟長子洪鈞雄並於現場挑選作品和影音口訪，將其礦工畫作之捐贈過程為文記錄。這些經過選件的捐贈作品皆未曾曝光，包括洪瑞麟早期創作紀錄，1940-60 年代的淡彩礦工速寫、擔任藝專老師時期的裸女速寫、以及多本速寫筆記本等。台灣美術史上洪瑞麟受倪蔣懷知遇之恩的畫壇佳話，塑造了洪瑞麟以礦工畫家留名並為台灣早期黑金產業留下珍貴紀錄。
「藝術家特寫」邀請王俊傑為「書中美術館」創作紙上作品《安魂之書》（引言），包括八張創作草稿和延伸折頁──他以正在醞釀發展的創作計畫為引，呈現創作草稿概念，是首度發表之作。王俊傑從1984 年發表創作以來，藝術軌跡遍佈繪畫、攝影、裝置、錄像藝術、平面與展覽空間設計、劇場影像設計、劇場導演乃至策展領域。此次邀請嫻熟其創作脈絡的學者孫松榮與本期主編雷逸婷共同訪談，深掘他在逾37 年的創作生涯中，對於各個階段的創作手法、美學核心、作品呈現，周遭政經社會環境與藝文生態的看法，並論及不同領域的創作經驗。讀者除了能收藏簽名版次的紙上作品外，對於藝術家的思想理路與創作生涯也能另有所獲。

展覽觀點：一分鐘雕塑
└ 是雕塑而非表演──歐文．沃姆的一分鐘雕塑／陳貺怡
專題：決定性瞬間
└ 歷史決定性時刻的影像記寫──「布列松在中國」／郭力昕
└ 再見中國：布列松的挑戰／陳佳琦
特別企劃：啟蒙・八○
└ 就地創生：跨領域的濫觴在八○／黃建宏
└ 多邊介入：1980 年代跨領域實驗初探／林怡秀
文獻研究室：捐贈歸鄉
└ 歸鄉漫漫──記洪瑞麟礦工畫作之捐贈／白雪蘭
藝術家特寫：王俊傑
└ 書中美術館：《安魂之書》（引言）／王俊傑
└ 王俊傑訪談／孫松榮、雷逸婷
美術館短波

文 │ 編輯室
自2016年起巡迴世界各地的「阿比查邦．韋拉斯塔古：狂中之靜」（Apichatpong Weerasethakul: The Serenity of Madness）於2019年11月30日至2020年3月15日於北美館展出。本期特闢「狂中之靜」專題，邀請著名策展人藝術評論者鄭慧華，透過與阿比查邦的對話，剖析藝術家這次展覽的核心思維，並闡釋其影像意識。此外，專題中還包括：陳琬尹針對阿比查邦的視覺藝術裝置《通靈感應》（2012）以及劇情長片《波米叔叔的前世今生》（2010）兩部作品，提出其中泛靈與攝影本體的內涵分析；陳平浩則延續阿比查邦持續探索的主題「鬼魂」，重新梳理戰後台灣電影的發展；陳寬育也以阿比查邦的「鬼魂」作為切入點，考察了包括地理學、生態學、民俗、文學評論、攝影、文化研究各領域中的靈異向度。
第8屆Performa雙年展於2019年11月1日至24日在紐約市區登場，Performa是由蘿絲李．戈柏（RoseLee Goldberg）於2005年所創辦，更在2013年推出「無牆國家館」（Pavilion Without Walls）的子計畫，展示全球化的視野，並於2019年首度納入台灣。在文化部、駐紐約台北文化中心支持之下，本館與空總臺灣當代文化實驗場（C-LAB）攜手策劃。本期特別企劃「2019 PERFORMA雙年展」主題，邀請北美館負責本案的策展人蕭淑文介紹「無牆台灣館」五位參展臺灣藝術家的作品；包括黃博志、余政達、周育正與蘇匯宇現地製作的作品，以及鄭淑麗延續、重置2018年C-LAB睡眠計畫的《SLEEP 1237》作品。此外，在紐約近身觀察本屆展演的謝佩君，也針對Performa作為第一個視覺藝術表演的雙年展，提出Performa本身運作方式的反思與檢討。
「臺北美術獎」是從「北市美展」轉型而來，可上溯自1981年的「第九屆台北市美展」。為突破一般徵件展的格局，在三十多年的發展中，多次調整徵件條件。特別是在2010年，獎勵方式的改變，提供首獎得主個展辦理的機會，就是希望能在藝術家生涯發展中，適度加以扶持。2019年，邀請了曼谷藝術文化中心（Bangkok Art and Culture Centre, BACC）前執行長盧卡娜．庫娜維嘉儂（Luckana Kunavichayanont），以及新加坡美術館（Singapore Art Museum）現任展演、活動暨出版部總監葉德晶（June Yap）擔任臺北美術獎國際觀察員，她們參與決審的過程，惟不參與投票。值此難得的機會，我們特地請這兩位國際觀察員，就本屆作品、臺北獎的國際化遠景等方面，提出她們的觀點。
林明弘為本期「藝術家特寫」的專訪人物，我們探尋了他在美國加州學院的養成教育對他創作的影響，以及到返台後思索藝術實踐的軌跡。「書中美術館」的部分，林明弘的《請勿臥坐》以杯墊的概念重現美術館常見的用語與標誌，藉此突顯這些參觀美術館必須遵守的規定在不同語境中的流通和轉變。

專題：狂中之靜

└ 泰國導演阿比查邦・韋拉斯塔古談「狂中之靜」和其影像意識／鄭慧華
└ 面具、紅眼和靈質──論《通靈感應》和《波米叔叔的前世今生》／陳琬尹
└ 鬼魂的肉體：以阿比查邦回顧展裡的「鬼魂」重看戰後台灣電影史／陳平浩
└ 鬼魂的愛、逼迫與曖昧／陳寬育
特別企畫：2019 PERFORMA 雙年展
└ 「Performa 19」：無牆台灣館──註記與後記／蕭淑文
└ 這是最好的（藝術）世界：Performa雙年展裡的視覺表演藝術／謝佩君
國際觀點：臺北美術獎國際觀察員
└ 返響：觀察記述／盧卡娜・庫娜維嘉儂、葉德晶
藝術家特寫：林明弘
└ 書中美術館：請勿臥坐／林明弘
└ 林明弘訪談／廖春鈴、林晏
美術館短波

文 │ 編輯室

由臺北市立美術館、國家藝術文化基金會合辦，立方空間負責人鄭慧華負責策劃執行的「CIT19：當代策展的新挑戰──國際論壇暨青年策展工作坊」(以下簡稱CIT19)計畫，於2019年10月11日至13日，在北美館視聽室舉行連續三天的「當代策展的亞洲語境及其超越」國際論壇，以「跨領域策展、展覽機制和教育轉向」、「跨地域、跨文化的策展與地緣政治」及「策展與藝術史的構建」三大子題，邀請23位策展人、學者、專家參與進行了三場專題報告、六場專案與三場圓桌論壇。來自歐洲與東南亞的策展人、史學者、博物館學研究者、文化實踐者一同參與，獲取更多元的策展思考路徑與經驗。
CIT19特別採取國際論壇與工作坊雙軌並行的方式，主要是為了回應當代策展多元化的操作方式，創造國際性對話和交流平台。主辦單位還主動與台灣不同藝術館所、藝術學院、策展專業者合作，並藉由各方資源的整合，在館所與專業教學經驗的基礎上開啟深度連結。「青年策展工作坊」於5月底至6月初在北師美術館先行啟動四場，10月10日、14日分別在北美館進行兩場。這次工作坊邀請到台灣及國外的藝術專業人員/策展人(包括來自表演與視覺藝術領域、商業畫廊與非營利自主空間等不同場域的機構策展人、獨立策展人及研究者)共同協作指導，提供了青年策展人學習、思辨與實踐的互動平台及多元對話場域。
本期專題聚焦這次的國際論壇，首先要探討這次CIT19的核心──臺北市立美術館、國家藝術文化基金會、立方空間──這三個機構對於過去20餘年台灣策展史的意義。此外，沈克諭的「論壇側記」以精密的側記書寫，記錄講者們論述的要義，包括：Raqs Media Collective重新定義的策展「教育轉向」(educational turn)的內涵；保坂健二朗所追溯的美術館建築展簡史；David Teh所提示的全球化時代「在地策展史」；Francis Maravillas對於亞洲食物與待客(hospitality)的策展脈絡；Eileen legaspi Ramirez對於藝術史與展覽史書寫方法的反省。我們也邀請工作坊的講師獨立策展人周安曼，與香港商業畫廊Empty Gallery總監劉文棟進行深度對談，延續5月工作坊的主題，探問當今東亞藝術圈的策展約制。有關「美術館教育：公共教育新生態」的專題，本館教育服務組研究助理林宣君從公眾參與、自主學習的角度，闡述美術館與觀眾的新關係開發的案例。
高俊宏作為本期「藝術家特寫」的專訪人物，我們以2004年的《Bubble Love：高俊宏1995-2004藝術紀錄》一書為核心，與藝術家一起邊訪談、邊回憶其早期略顯青澀但創作力豐沛的藝術生命歷程。「書中美術館」的部分，高俊宏的《亞細亞水泥股份有限公司》，透過小型的水泥袋創作，銳利投射花蓮亞洲水泥挖山，這個顯著又必須受人注意的事件。

專題 當代策展的新挑戰
└ 機構策展人培育的前景：北美館林平館長專訪／編輯部
└ 創造主場優勢：專訪國家文化藝術基金會董事長林曼麗，談策展人時代中的台灣挑戰／吳嘉瑄
└ 策展性思辨，解構與建構：立方計劃空間鄭慧華總監專訪／孫以臻

「當代策展的亞洲語境及其超越」論壇側記／統籌：王柏偉、沈克諭
└ 跨 − 出神立場／講者：瑞克斯媒體小組
└ 建築師與私人蒐藏家之於藝術機構的新角色／講者：保坂健二朗
└ 策展職能為何？／講者：鄭大衛
└ 誰來晚餐：亞洲及其他地區的當代藝術與展覽中的食物與待客／講者：弗朗西斯・馬拉維拉斯
└ 與歷史共存：在策展的槓桿力量與對過往清算兩者間來回協商／講者：艾琳・黎加斯比・拉米雷斯
└ 談東亞藝術圈的策展約制——周安曼×劉文棟／周安曼

美術館教育 公共教育新生態
└ 公眾參與、自主學習：開展美術館與觀眾的新關係／林宣君

藝術家特寫 高俊宏
└ 書中美術館：亞細亞水泥股份有限公司／高俊宏
└ 高俊宏訪談／王柏偉、林晏

美術館短波

文 │ 編輯室

從今年年初起，台北市立美術館有兩季接連著有聲音藝術類的展覽。從「聲動：光與音的詩」到「池田亮司個展」，持續地開拓聲音藝術的邊界。《現代美術》季刊也與這樣的探索同步，在上一期的規劃了「台灣聲音藝術的發展」專題，希望從視覺藝術的角度為台灣聲音藝術史做一些基本的累積。本期的「池田亮司衍生之台灣當代議題」則希望在上一期已經打下的基礎上，隨著池田亮司在聲音跨域上推進，探問聲音與影像兩者交會之處的風景。黃大旺的〈日本噪音為台灣帶來什麼〉從跨國移入與國際交流的角度出發，處理了台灣受到日本及其他國家聲音藝術影響的過程；沈克諭的〈池田亮司意味著什麼〉則是探討台灣聲音藝術繼受與翻譯池田亮司作品的方式。除此之外，我們還邀請馮馨、王冠婷與吳嘉瑄分別介紹了林桂如、三牲獻藝與鄭宜蘋（Betty Apple）這些長期以來致力於聲音跨域的表演者與團體。
本期的展覽觀點中，曾少千教授〈現代美學的崢嶸版圖〉一文，針對「她的抽象」策展論述中的女性、抽象、東亞這三個關鍵詞，試著解構並討論作品中三個不同的面向，藉以縱橫並連結這些女藝術家們的思維與創作；策展與藝術史有所交集，但囿於展覽取樣，本文另就展出作品的效果反思何為更妥切的藝術史論述觀點。簡正怡的〈迷宮的國度：《沙之書》與「聲動」中的後現代寓言〉以波赫士的迷宮概念為基底，為我們呈現了「聲動」展中曲折蜿蜒的感知小徑。郭姿瑩的〈朝向更加參與及遊戲的藝術教育實踐──以《無關像不像》為例〉則介紹了兒藝中心「無關像不像」這個企劃的設計方式，以打開藝術家工作室與創作場景的思考，邀請兒童體驗藝術家在創作抽象藝術作品時心境。
書中美術館本期邀請姚瑞中創作《地獄空》這個作品，並在訪談中詳述了九○年代在台北藝術大學求學時期的三個重要部分：「天打那實驗體」、「宣統報」與登山社，以及這些軸線如何影響了他之後的創作歷程。

專題 音界．跨域
└ 日本噪音為台灣帶來什麼／黃大旺
└ 池田亮司意味著什麼？／沈克諭
└ 混種音樂打開游移的臺灣耳朵：專訪三牲獻藝／王冠婷
└ 在聲音與音樂之間的拆解與重組：林桂如／馮馨
└ 跳蛋、身體、隱喻、即興，與一切事物的酷兒化：Betty Apple（鄭宜蘋）的聲音行為表演／吳嘉瑄

展覽觀點 抽象．音像
└ 現代美學的崢嶸版圖／曾少千
└ 迷宮的國度：《沙之書》與「聲動」中的後現代寓言／簡正怡
└ 朝向更加參與及遊戲的藝術教育實踐──以「無關像不像」為例／郭姿瑩

藝術家特寫 姚瑞中
└ 書中美術館：地獄空／姚瑞中
└ 姚瑞中訪談／王柏偉、廖春鈴

美術館短波

文 │ 編輯室

　　本期「展覽觀點」聚焦「安棲：謝素梅」，以其亞歐混血的源起家世和音樂學養，謝素梅的藝術融合了自然與時間、記憶與忘卻、音律與語言、閱讀與傾聽等借喻對象和主題。本館特別邀請二位學者撰寫專文：一為長時間關注謝素梅藝術發展的資深藝評學者及策展人王嘉驥，以《大自然的時間》為題，剖析近十年創作實踐上幾個新的面向和創作語境，也關照其與過去作品的連結和思路；一為香港策展人及作家楊陽，以極富韻律感的文字絮說觀看謝素梅作品中，關於聆聽與節奏的藝術視界。此篇中譯原以英文發表於本展的開幕座談「謝素梅：整個宇宙」。
　　配合來自里昂國立音樂創作中心的「聲動：光與音的詩」，展覽回應今日行動世界的變幻莫測，藝術家嘗試啟用跨平台、實驗性的影音裝置，推動聲響與影像結合於變幻不停的展覽空間。本期專題邀請國內三位學者為文評介，包括台灣八○年代即以新媒體創作的藝術家盧明德於觀展後，與館員簡正怡所做的深度對談評文；學者邱誌勇以聲音、影像、運動，聲音的視覺姿態，場域性、身體感與多重感知等方向為文；作曲家及策展人林芳宜就策展人與其團隊針對聲響藝術領域所提出的龐大論述與知識系統，藝術家及作品如何回應的虛實面貌提出批評與見解。
　　本屆威尼斯雙年展台灣館由鄭淑麗代表，與本館共同邀請熟悉藝術家創作脈絡並有合作經驗的西班牙哲學家保羅．普雷西亞多（Paul B. Preciado）擔任策展人。展覽以「3x3x6」為題，為鄭淑麗的創作計畫提供了一條明晰的閱讀路徑，並以新的語法延伸討論。「特別企劃」由高子衿與策展人以「虛擬不服從」為題訪談對話，也詳述預展期間由保羅策劃的公共活動「電子規訓之失能：性別與性異議者討論會」之現場紀錄。
　　「 文獻研究室」邀請曾受日本傳統工房訓練、先後派駐京都國立博物館及任職東京國立博物館十多年，現任教雲科大的書畫修復師林煥盛，在北美館豐富的書畫作品修復經歷與深刻觀察，對於過往美術品的修復歷程提出思考與建言。而這些修復案例以館史檔案的角度出發，作者也試著將美術品修復有形與無形的價值連結至台灣裝裱史發展的議題。
　　「 藝術家特寫」單元邀請陳慧嶠為「書中美術館」創作紙上作品──《球體》，包括單色版畫、橘／白色乒乓球、以及藝術家手寫800 份版次的盒框。善於運用幾何抽象的表現手法與現成物並置，創作語彙與文學作品有所連結的陳慧嶠，色彩承襲單色繪畫，空間裝置材質多元，近30 年來共發表九次個展，累積了豐富資歷，過往也以「伊通公園」企劃總監角色為藝術界熟悉。近二年來，陳慧嶠更專注於藝術創作也開啟了種植的田園生活。此次邀請林怡秀共同訪談，讀者除了能收藏獨一無二的紙上原作外，對於藝術家的作品脈絡、思想理路、以及創作生涯也能另有所獲。

展覽觀點 安棲
006 大自然的時間──北美館「謝素梅：安棲」展觀後感／王嘉驥
022 感知卻忘──謝素梅作品裡的聆聽與節奏／楊陽

專題 聲動
033 科技的詩意──從聲動談起／盧明德
043 憑影像寫詩．藉聲音造藝──「聲動：光與音的詩」中詩意律動／邱誌勇
054 論述與作品之間的虛實過招──評「聲動：光與音的詩」／林芳宜

特別企劃 威尼斯．台灣館／高子衿
063 虛擬不服從──2019 威尼斯雙年展台灣館策展人 保羅．普雷西亞多訪談
072 歷史的異議解讀與批判性擴散──「電子規訓之失能／性別與性異議者討論會」紀實

文獻研究室 修復師之眼
080 我在北美館修文物──科學檢測之外，當美術品修復成為館史檔案／林煥盛

藝術家特寫 陳慧嶠
094 書中美術館：球體／陳慧嶠
096 陳慧嶠訪談／林怡秀、雷逸婷

118 美術館短波

文 │ 編輯室

台北雙年展「後自然：美術館作為一個生態系統」於三月正式結束。這一屆雙年展，聚焦人與生態的共存關係、生態之間的相依存續，透過展覽形式呈現眾多你我生活中共同面對的問題。而2020年第12屆台北雙年展將由法國知名社會學家、哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）與學者馬汀．圭納德林（Martin Guinard-Terrin）共同擔任策展人，並將進一步討論「地理政治」（Geo-political）以及「地理歷史」（Geo-historical）命題。這兩次的雙年展，將生態系放在後人類、後自然與後殖民的世界結構變遷上。台北美術獎的觀察者謝佩君也將台北獎的作品放在這個由技術變遷而來的脈絡下，透過對於張允菡與王連晟作品的討論，提出她對於作品與體制關係的思考。
由於2019年度有好幾檔聲音藝術相關的展覽，我們特別邀請馮馨與王冠婷兩位長期觀察聲音藝術的研究者，從視覺藝術的角度來處理聲音藝術在台灣的發展狀況，不僅編了一個年表，還訪談其中一些重要的事件與人物，希望藉此與「聲動」、謝素梅、池田亮司等展覽中的聲音藝術作品對話。
文獻研究室的部分，我們邀請葉杏柔訪問了姚瑞中，並從姚瑞中長期收集的宣傳品資料庫、個人手稿與相關文獻出發，提出台灣在處理這些藝文檔案時所面對到的問題與相關的思考。同樣是文獻與典藏的軸線上，陳禹先則更進一步地集中在科技藝術對典藏方式所帶來的衝擊與提出的新的挑戰。白雪蘭的文章則是在藝術家的圖書收藏上，對於倪蔣懷的藝術視野提出有趣的見解。
本期的藝術家特寫，我們邀請了台灣動力機械領域的重要藝術家徐瑞憲來談談他從留法時期開始的不同系列，這些不同系列不僅呈現了藝術家在媒材上的長期探索，也反應了他對於生命與政治的見解。

 

展覽觀點 台北美術獎

6 從後自然到後媒介性：從新物質主義看「2018臺北美術獎」／謝佩君

特別企劃 台灣聲音藝術的發展  編採撰文：馮馨、王冠婷

聲音藝術在台灣的發展

17 何時開始聆聽：台灣聲音藝術發展相關事件
23 從創辦台灣第一個實驗音樂廠牌《Noise》到走入創作／受訪者：王福瑞
28 以活動做為平台開啟對話：失聲祭的發展與影響／受訪者：姚仲涵、賴宗昀等人
36 聲音與影像的連動關係：專訪葉廷皓與其Audio-Visual 創作／受訪者：葉廷皓
42 「聽」見問題的裝置創作：王連晟訪談／受訪者：王連晟
46 感知無法理解的真實：張永達訪談／受訪者：張永達

文獻研究室 資料的文化面向

52 關於九○年代的藝文檔案，我們需要知道什麼？／葉杏柔
60 無形又有形：被時代背叛的數位文化資產／陳禹先
71 從倪蔣懷的圖書收藏看他的藝術視野／白雪蘭

藝術家特寫 徐瑞憲

82 九個夢／徐瑞憲
84 徐瑞憲訪談 林子荃／王柏偉

102 美術館短波

文/編輯室

生態與政治的關係是本次台北雙年展非常在意的面向，參展者中有許多NGO團體與相關的社會運動倡議。這次的2018台北雙年展專題中，藝評人吳嘉瑄的文章強調古典的自然觀無法面對技術時代的生態問題，她建議將技術面向一併納入我們對於生態的思考之中，讓技術作為可以加以調控的因素。劇評人吳思鋒長期致力於原住民藝術相關議題，他發現近年來對於原住民身份政治的討論並沒有內化到我們對於原住民藝術的思考當中，最為明顯的例子，就是藝術手法上對於觀念與裝置的使用，往往不加反思地就成為作品的模式，對他來說，從身份政治運動的角度來看，這是必須更進一步思考的內容。
「特別企劃」單元收錄今年七月重新開館首檔作品場域於一樓大廳與戶外廣場的協作型展覽「讓我們穿透魔鏡，迎向新世界！」三部曲的展演作品分析與觀展評文：藝評家邱誌勇以「迭代與遞迴」為題旨，從自然世界、人的世界到機械世界，評介三件展演作品顯露出技術裝置的日常性、人工性與數位性特質，更闡述著人類依存於技術的生活景況，也藉由當下對於科技的體現與認識，得以瞭解科技滲透至當代人類生活的觀察與意義；表演藝術評論者陳茂康則以作品成員身份，將五種組成《weee》的物件與題要，分享創作構成中團隊的各種概念發想與對於觀眾的種種觀察；火旺教授則以「數位本質中的新身份敘事」為文，從分析藝術家施懿珊長達九年的網路社會實驗「身分發明」到以三場現場即時影音論壇觀察，回應藝術家所討論的諸多數位互動科技相關議題；藝術評論者林怡秀略論藝術家陳慧嶠20餘年來的創作歷程，帶出這次以一種混合夢境、神秘學與自然觀點、組合三種元素建構出的廣場大型裝置，藝術家試圖提醒：人們必須自我意識問題與能力所在，保持對精神性的知覺與追求，方能抵達對應自身的「預許之地」。
東方畫會成員之一的李元佳於1994年離世後，北美館自2001年起計畫多年，終在2014年集館內外眾人努力，完成李元佳亞洲首次回顧展。「文獻研究室」單元特別邀請2012 年即為李元佳的海外作品與檔案做田調研究的臺灣美術史工作者王凱薇，透過2012-2018年間的文獻踏查與深度口訪，分享回顧展結束後受李元佳基金會所託，再度調查有關藝術家早期作品與後續影片的新發現。這是一篇關於李元佳作品、物件、歷史檔案的考掘記事，從之前合作建置李的作品資料庫、收集散落各地的歷史檔案，到2014年後參與李元佳紀錄片的拍攝，重啟基金會藏品檔案的清點與建檔、數位化與遷移，發現李的八釐米影像和聲音檔案出土、日記與書信等未完成的工作等等，都期待著美術館與眾學者的再接再厲。
本期「書中美術館」邀請藝術家陳永賢以自我倒立的身體影像製作一本小冊。陳永賢長期以來關注身體與自我意識之間的關係，以及身體與外在環境的互動，特別是東方文化對於身體的潛移默化。本期的藝術家特寫深入陳永賢的創作理念，呈現藝術家對於身體的深刻思考。

專題 2018 台北雙年展

006 有愛的將來：關於「後自然：美術館作為一個生態系統」的另一種思考／吳嘉瑄
019 身份政治消失了嗎？：從觀念到裝置，從反抗歷史到自然書寫／吳思鋒

特別企劃 人．機器．自然

033 迭代與遞迴：「讓我們穿透魔鏡，迎向新世界」中的「人類 - 科技 - 自然」交雜軌跡／邱誌勇
043 關於「我們」／陳茂康
051 《人格的資本演繹》- 數位本質中的新身份敘事／賴火旺
060 最終章：預許之地／林怡秀

文獻研究室 海外檔案

069 李元佳檔案考／王凱薇

藝術家特寫 陳永賢

088 陳永賢訪談／詹彩芸、黃義雄

書中美術館： 潛行者

110 美術館短波

目次
002-主編語 / 賴瑛瑛

專題 第二波美術館熱潮
007-從觀眾到群眾的動能與轉向：美術館觀眾研究新探 / 蘇瑤華
025-後博物館、街區活化與老屋再生：臺北市大稻埕街區個案研究 / 殷寶寧

一般論文
059-虛擬實境藝術中的「本體論事件」與「共感聯覺美學」 / 邱誌勇
079-藝術作為運動之殘響？閱讀陳界仁作品《加工廠》、《路徑圖》與《殘響世界》 / 呂佩怡

117-附錄1 出刊紀要
120-附錄2 稿約

主編語
美術館的興建，除可盤點文化資源，推展藝文活動，更可凝聚地方認同，帶動文化產業發展。本期專題「第二波美術館熱潮」的兩篇專文分別從美術館的觀眾行為及歷史建築作為博物館進行專題探討。蘇瑤華的專文以法國羅浮宮藝術博物館推動十年的「人人都是藝文贊助者」的群眾募資計畫為案例，探討美術館「替代性財務工具」的可能性。殷寶寧的專文以臺北市大稻埕街區晚近設置的AMA家及207博物館為例，從後博物館理念出發，討論博物館與地方活化和文化經濟的關係與連結。
兩篇藝術論文則討論當代藝術創作的兩個趨勢發展。呂佩怡的專文從閱讀陳界仁的三件作品《加工廠》、《路徑圖》與《殘響世界》，反思藝術作為運動殘響之作用力。社會行動藉由視覺化、具體化與情感化的藝術轉換，開展藝術於社會運動後可持續發揮的角色。藝術社會行動及公共平臺的開放論證揭示了藝術的無限潛能。邱誌勇的專文探討虛擬實境藝術中「影像」、「身體」、「時間」與「空間」之交互關係。虛擬實境藝術中的「本體論事件」與「共感聯覺美學」，闡述參與者透過穿戴裝置與機械設備進入虛擬實境的作品，從而體驗並創造出讓感知與身體在虛擬與實在之間得以相互對位的經驗。
面對社會的快速變遷，美術館正是具現公眾需求及不同聲音的最佳場域。整合多元資源，鼓勵文化生產，落實公共利益，將是新時代美術館的社會價值。當今臺灣各地積極籌建美術館，掀開了臺灣「第二波美術館熱潮」。這些迎向未來的美術館，是否以公共利益為優先？關注人文與環境的互動，倡導與社區的合作共融，帶領議題、激發創意、回應挑戰，美術館是時代價值的倡議者。